Sesion Golfa

LA BODA DE RACHEL

2008-10-31T14:58:00.000-07:00

Una boda, una familia y un estilo naturalista que mola: Jonathan Demme se saca de la manga una película baja en calorías, pero muy sabrosa. Por Ó. B.
Me encantan las bodas. Es el único lugar en el que te está permitido ponerte ciego hasta las trancas delante de tus padres sin que pase nada. Para bodas, la que nos presenta Jonathan Demme, un casamiento que sedujo a la crítica del festival de Venecia por su naturalismo y cercanía los postulados del género documental. Como se deduce del título, este relato nos muestra las interioridades de la preparación de una boda, pero con todas las tensiones, diferencias y demonios que puede haber en una familia bastante peculiar. Los que hayan visto Celebración de Thomas Vinterberg seguramente reconocerán al rastro odorífero del movimiento dogma en este film. Al parecer Demme convirtió el set en un campo de pruebas: sin encuadres planificados, con gran libertad de movimientos, música en directo, y con una cercanía espectacular al realismo promulgado por los “dogmáticos” daneses. Y la verdad es que los resultados son bastante satisfactorios. La película fluye, funciona. Se nota que Jonathan Demme sabe conducir perfectamente a los actores por los imprevisibles cauces formales de la obra. Ah, y lo más importante, en el reparto encontramos a la deliciosa actriz Anne Hathaway en el papel de una ex yonqui. Lo de esta chica me trae por el camino de la amargura: es lo que tiene estar perdidamente enamorado de alguien; de esa persona te gusta todo, como el cerdo (con perdón por la desafortunada comparación). Buena película.

LA BODA DE RAQUEL (Rachel Getting Married) Director: Jonathan Demme. Con Anne Hathaway, Rosemarie DeWitt, Mather Zickel, Bill Irwin. Estados Unidos, 2008. Comedia naturalista. 1h53. Estreno: 31 de octubre. www.sonyclassics.com

LOS NIÑOS DE HUANG SHI

2008-10-20T14:48:00.000-07:00

Basado en hechos reales, Roger Spottiswoode dirige una oda al bondad del ser humano. ¿Quién no salvaría a unos desvalidos chinitos? Por Óscar Broc

Voy a ser honesto con vosotros: odio los melodramas basados en hechos reales sobre gente buena y sacrificada que ayuda a los desvalidos. Me da igual si pensáis que soy un desgraciado, un amargado, un rabioso… Aceptaré todos los insultos posibles, pero es la realidad, me aburren los films con gente buena que se preocupa por los demás. Quizás por eso, Los niños de Huang Shi me produce más repelús que una gallina desplumada, porque tiene todos los ingredientes para convertirse en la peli conmovedora y cultureta que muchos buscan, en la típica peli que nos hace sentir mejor con nosotros mismos y con todo el mundo, porque al fin y al cabo, el ser humano es bueno. Muy bueno. Basado en hechos reales, como he apuntado antes, el film nos sitúa en China en los años 30, con el país está bajo el yugo de las tropas japonesas. En este marasmo de mal rollo y ocupación chunga, el inglés George Hogg, interpretado por el actorazo Jonathan Rhys Meyer, se hace cargo de un orfanato chino y, ante la posibilidad de que los retoños sean reclutados, decide emprender un viaje con los pequeñajos para salvarles el pellejo. Tranquilos, también hay romance: el tipo descubre que le gusta una bella enfermera que el acompaña en su periplo salvador. A partir de ahí, lo de siempre: dramón, lágrimas, aventura, momentos de tensión, amorío, paisajes exóticos y épica del buen rollo… Sólo par almas impresionables y fans de las historias conmovedoras.
LOS NIÑOS DE HUANG SHI (The Children of Huang Shi) Dirección: Roger Spottiswoode. Con: Jonathan Rhys Meyers, Radha Mitchell, Chow Yun Fat. Australia, China, Alemania, 2008. Drama. 1h54. Estreno: 31 de octubre. www.childrenofhuangshi.com

COMIENZA LA PRODUCCIÓN DE SHERLOCK HOLMES EN LONDRES BAJO LA DIRECCIÓN DE GUY RITCHIE

2008-10-07T12:30:00.000-07:00

El asunto promete. Ojo al reparto:
Robert Downey Jr. da vida al legendario detective retratándole desde una perspectiva totalmente nueva. Y como sabéis Robert Downey Jr no ha llegado a ser Robert Downey Jr sólo por sus problemas con las drogas.
Jude Law interpreta el papel de Watson, el amigo y colega de confianza de Holmes.
Rachel McAdams protagoniza el papel de Irene Adler, la única mujer que ha podido dar réplica a Holmes y que ha mantenido unas relaciones tempestuosas con el detective.
Mark Strong es Blackwood, su misterioso nuevo adversario.
Y las dos cosas más interesantes:
Dirige Guy Ritchie, director de Cerdos y Diamantes, y más conocido por ser el domador de Madonna.
El guión esta basado en una historia original/cómic de Lionel Wigram, inspirado por los cuentos clásicos de Sir Arthur Conan Doyle.

QUEMAR DESPUÉS DE LEER

2008-10-06T13:11:00.000-07:00

Mofándose de los tópicos de la edad madura: los Coen convierten una historia de espías y perdedores en una más de sus gamberradas patológicas. Por E. H.
Para muchos cinéfilos, los méritos de los Coen no están relacionados con haber abierto nuevos espacios para el cine independiente; tampoco aprecian de ellos la esplendorosa planificación formal de No es país para viejos o la inventiva en la narración exhibida en Muerte entre las flores. Para esta clase de aficionados, todos los logros de los Coen se resumen en uno: ser los padres de ‘El Nota’, los cerebros tras El gran Lebowski. Si piensas de ese modo, Quemar después de leer está hecha para ti: aquí los hermanitos vuelven a sacar esa fiera poseída por el gamberrismo patológico que llevan dentro. Y eso que las cosas apuntaban en sentido contrario. De una parte, porque la excusa argumental (un analista de la CIA, tras ser despedido, escribe unas memorias comprometedoras que van a caer por error en manos de dos empleados de un gimnasio que pretenden sacar provecho del asunto), presagiaba una obra con más enjundia, más seria; de otra, porque los personajes que recorren el largometraje son perfectos para un festín de mala baba: aquí aparecen un montón de perdedores poseídos por obsesiones muy actuales, caso de la cirugía plástica, la cultura de gimnasio, la insatisfacción sexual, entre otros tópicos de la edad madura. Pero enseguida caemos en la cuenta de que todo ese material no es más que una excusa para poner los chistes en marcha. Aquí no hay intención de retrato o de crítica. El objetivo final es la pura comedia. En ocasiones enloquecida, en otras surrealista, a veces plenamente hilarante.

QUEMAR DESPUÉS DE LEER (Burn After Reading). Dirección: Ethan y Joel Coen. George Clooney, Brad Pitt, John Malkovich, Frances McDormand. EE.UU. 2008. Comedia. 1h36 Estreno: 10 de octubre.www.universalpictures.es

BATALLA EN SEATTLE

2008-10-02T07:08:00.000-07:00

Seattle 1999, guerra entre antidisturbios y activistas antiglobalización: no sabemos si Charlize Theron estuvo allí, pero ¿a alguien le importa? Por Óscar Broc

Todos recordamos todavía la batalla campal que se montó en Seattle en 1999 entre grupos antiglobalización y fuerzas del orden. Y los que sencillamente no se enteraron de aquello o sencillamente lo hayan olvidado, que sepan que el altercado fue gordo: el motín callejero hizo que se proclamara el estado de excepción en toda la ciudad. Lo que tenemos aquí, pues, es el típico film que intenta sumergirse en la realidad de los hechos, adoptando una postura pretendidamente objetiva, aunque claramente favorable a los incontables activistas de todo el mundo que se movilizaron para protestar contra la Organización Mundial de Comercio. No es ninguna casualidad extraña que encontremos a la bellísima Charlize Theron en el reparto, no en balde -y ahí va el cotilleo de rigor-, Stuart Townsend, director y guionista del invento, es su actual pareja, lo que evidentemente le convierte de forma automática en el tipo más odiado por la comunidad heterosexual. Dejando de lado que Townsend se acueste con la chica más sexy del planeta Tierra, hay que decir que Batalla en Seattle es una propuesta interesante por las circunstancias y escenarios que propone y se antoja como una película más centrada, quizás, en las de las personas que allí estuvieron que en la propia causa que defendían, lo que también se agradece, ya que el film no huele en exceso a panfleto de “pancarta y bocadillo”, que diría el extinto expresidente José María Aznar.

BATALLA EN SEATTLE (Battle in Seattle). Dirección: Stuart Townsend. Con Charlize Theron, Woody Harrelson, Michelle Rodriguez. EE.UU. / Canada, 2007. Docudrama antiglobalización, 1h40. Estreno: 3 de octubre. www.battleinseattlemovie.com

CHE 1. EL ARGENTINO

2008-09-03T05:30:00.000-07:00

Soderbergh y Benicio del Toro devuelven a la palestra al Che Guevara, el icono rebelde más famoso del mundo del pop. Viva la revolución y todo eso. Por Ó. Broc

Revolución, amigos. Puños en alto. Trajes de guerrilla. Puros encendidos. Diablos, quién nos iba a decir que Steve Soderbergh sería el elegido por los dioses para hacer realidad, de una vez por todas, el biopic definitivo del Che Guevara. Che 1: El Argentino es, como el propio título indica, la primera parte de dos peliculones de toma pan y moja que seguramente no dejarán huella en taquilla, pero destilan una valentía digna de aplauso. Lo cierto es que Benicio del Toro está impresionante en la piel del revolucionario más icónico del universo –estoy seguro de que la camiseta con su efigie se ha vendido más que la de Planet Hollywood–. Y que los mimbres de esta epopeya están tensados con el savoir faire de un director que entiende perfectamente las exigencias artísticas y presupuestarias de une empresa de semejantes dimensiones. Soderbergh nos introduce en un trip selvático rodado casi por entero con luz natural y en castellano, todo un desafío a la mentalidad del espectador medio estadounidense, al que le produce una molesta urticaria cualquier cosa que lleve subtítulos. Siete años de investigación se ciernen sobre esta épica biografía de cuatro horas y media –normal que la hayan dividido en dos partes– que merece nuestro voto de confianza. El Che de Soderbergh, por muchos recelos que pueda despertar, por mucha pereza que pueda dar, es capaz de convertirse en una de las mejores pelis de la temporada. Me tragaré mis palabras si no es así.
CHE 1: EL ARGENTINO (The Argentine) Director: Steve Soderbergh. Guión: Peter Buchman. Con Benicio del Toro, Lou Diamond Phillips, Demián Bichir, Norman Santiago. Biopic. EE.UU, 2008. Estreno: 5 de septiembre. www.fox.es

VICKY, CRISTINA, BARCELONA

2008-09-01T01:52:00.000-07:00

Cada fotograma de esta película revive el mayor de los ridículos recientes de la sociedad de Barcelona. A pesar de todo, Woody siempre será Woody. Por Ó. B.
Los barceloneses sólo perdemos el sentido del ridículo y nos mostramos como auténticos paletos cuando nos visitan dos personajes: Bruce Springsteen y Woody Allen. Intento imaginar la cara del director judío ante las súplicas de más de un VIP catalán para asomar el hocico en su película (y luego contarlo a sus amigos en su chalet de Ibiza). Intento imaginar la amargura del viejo Woody viéndose convertido en un simple animal de feria al que todo el mundo quiere ver de cerca, con el que todo el mundo quiere hacerse la foto. Lo intento y me estremezco. Perdonen mis prejuicios, pero el numerito montado por la sociedad barcelonesa y los culturetas catalanes durante el rodaje de Vicky Cristina Barcelona ha empañado mi espíritu crítico, si es que alguna vez lo tuve, oscureciendo una película que me habría parecido mucho mejor, lo admito, si se hubiera rodado en otro sitio o si la ciudad hubiese estado a la altura. De todos modos, no podemos olvidar que es Woody Allen quien se esconde tras la cámara y que el film tiene todos los trazos característicos de sus comedias ligeras. Es una pena que tengamos que aguantar a Penélope Cruz, una actriz horrible que sigue sin evolucionar. En definitiva, Vicky Cristina Barcelona pasará a ocupar un discreto capítulo en los films más anecdóticos de Woody, y una página de oro en el catálogo de mayores ridículos de la sociedad barcelonesa. Por cierto, Scarlett Johansson, como siempre, está buenísima.
VICKY CRISTINA BARCELONA
Director: Woody Allen. Con Scarlett Johansson, Penélope Cruz, Javier Bardem. Comedia urbana, 1h33. EE.UU/ España, 2008. Estreno 19 de septiembre.

WANTED (SE BUSCA)

2008-08-27T05:20:00.000-07:00

¿Quién eres, un don nadie o el puto amo? Bekmanbetov dirige con mirada lisérgica los sueños húmedos de quienes viven encerrados en la oficina. Por E.
Imagina que tu novia se acuesta con tu mejor amigo (y se lo pasa de la hostia), que en el trabajo una momia te putea sistemáticamente, que curras como un cabrón sin que nadie lo valore y, lo que es peor, que cuando pones tu nombre en Google no aparece ningún resultado. En otros tiempos, un argumento similar (más retorcido, eso sí) dio lugar a cosas como El apartamento, la película en que Billy Wilder se reía de Jack Lemmon hasta que éste sacaba de la sonrisa de una mujer las fuerzas para reencontrar su dignidad. En nuestra época, sin embargo, las cosas tienen otros caminos. Así, el personaje de James McAvoy (un buen actor que tiene presencia y empaque para lograr grandes metas) encuentra los arrestos para plantar cara a la realidad de otro modo: aparece Angelina Jolie en su vida, le dice que no es un pringado sino el hijo de un killer y que está destinado a matar al asesino de su padre. Y McAvoy, claro está, le dice que sí, qué cómo no, y se va con ella a ver qué cae. En otras palabras, lo que hace Wanted es convertir en argumento de película los sueños húmedos de esos seres ordinarios e invisibles que viven sepultados en cubículos de oficina. Y no te equivoques, lo de la tía buena no es más que un complemento: lo que de verdad desea esa gente, y en eso insiste la película, es que dejen de tocarles las narices. En segundo lugar, Wanted nos cuenta que quizá dé buenos frutos eso de ser razonable, utilizar expresiones políticamente correctas y actuar sosegadamente, pero que, para liberar tensiones, nada como la violencia. De modo que nuestro joven héroe unirá ambos extremos (conseguirá que le dejen en paz repartiendo hostias), y vivirá mucho más feliz.

WANTED (Se busca) (Wanted) Dir.: Tikmur Bekmanbetov. Con Angelina Jolie, Morgan Freeman, James McAvoy. Estados Unidos, 2008 . Thriller. 1h48m. Estreno 12 de septiembre. www.wantedmovie.com

SEXO EN NUEVA YORK

2008-06-07T08:58:00.000-07:00

Vuelven las auténticas mujeres desesperadas: desesperadas por los zapatos, los hombres, el sexo, las boutiques… La tele se les ha quedado pequeña.
Lo sé, la famosa serie de HBO es un repelente perfecto para hombres. Sexo en Nueva York es el programa favorito de nuestras novias. Algunos de nosotros conocemos el drama que eso supone, pues hemos tenido que aguantar a Sarah Jessica Parker y sus amigas folladoras en más de una ocasión, encogidos en el sofá, con el yogur a medio terminar. Quizá por eso, se nos hace todavía más cuesta arriba el tener que acompañar a nuestra fiancée al banquete final de zapatos caros, boutiques de la Quinta Avenida y hombres objeto con vocación de Kleenex. Al menos, los creadores del invento han tenido a bien realizar una película de continuidad y conclusión, es decir, este largometraje para cine es en realidad el último episodio, la guinda a seis temporadas y un auténtico regalo para los millones de fans que ha cosechado esta producción. Las imágenes de histeria femenina de la presentación del film en Londres hablan por sí mismas: Sexo en Nueva York ha trascendido el tubo catódico para convertirse en un fenómeno social en toda regla, una suerte de guía femenina para el nuevo siglo que, diablos, funciona muy pero que muy bien, reportando unos dividendos obscenos que, muy posiblemente, desemboquen en el retorno de estas pijas despendoladas. Y ojo porque lo de llevar series al cine ya es tendencia. Los rumores apuntan a una película de Perdidos y Los Soprano, y ya está al caer el segundo largometraje de Expediente X. Allí estaremos.
SEXO EN NUEVA YORK (Sex and the city). Dir.: Michael Patrick King. Con: Sarah J. Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis, Cynthia Nixon, Chris Noth,, Jennifer Hudson. Comedia sexual. Estreno: 27 de junio. EE.UU., 2008. www.tripictures-spain.com

ENTREVISTA CON ELLEN PAGE, PROTA DE JUNO

2008-01-30T01:06:00.000-08:00

Ellen Page, actriz de 20 años que ya conquistó a la crítica con Hard Candy, ha vuelto fuerte con JUNO que, sin duda, será la gran sorpresa de la próxima edición de los Oscars.
La película cuenta con cuatro de las más importantes candidaturas, entre las cuales está la de mejor actriz. Con motivo del próximo estreno de JUNO en España (el próximo 1 de febrero) y su reciente nominación, tuvimos una interesante conversación con Ellen, tímida y menuda al natural, pero acaparadora en la gran pantalla:
P: ¿Cuál ha sido tu reacción a la nominación de los Oscar?
R: Por supuesto, de mucha alegría y sorpresa. Me siento muy halagada al estar nominada junto a esas grandísimas actrices. Todavía no me lo creo la verdad.
P: Parece ser que Juno era un guión muy difícil. ¿Cómo conseguiste el papel?
R: Protagonicé la película de Hard Candy y antes de que se estrenara, después de Sundance ya tenía una conexión con los Estados Unidos y estaba leyendo varios guiones. Éste fue uno de ellos. Bueno, no era tan sólo uno de ellos, sino que era uno de los mejores guiones que había leído nunca. Simplemente me enamoré de él. Pasó un tiempo para que todo se formalizara y cuando Jason Reitman se apuntó, pensó en mí por el trabajo de Hard Candy. Entonces nos conocimos y nos llevamos muy bien. Hice una prueba con Michael Cera y así fue como conseguí el papel.
P: ¿Por qué era uno de los mejores guiones?
R: Bueno, cuando lo leí me pareció muy novedoso. Con una protagonista adolescente, algo que no había visto nunca. No era nada tópico. Era divertido, único y con un humor inteligente, pero sobre todo era un guión muy genuino y honesto.
P: ¿Cómo explicas el éxito de Juno?
R: ¡Es una locura! No es algo que suela pasar muy a menudo. Por supuesto que no esperábamos todo esto. Se trata de una película independiente rodada en Canadá. Trata sobre el embarazo de una adolescente que va a una clínica para abortar. No esperas que este tipo de películas lleguen tan lejos en Estados Unidos. Pero creo que es por lo mismo por lo que me gusta tanto el guión. Es novedoso, divertido y también muy genuino. Creo que es la típica película que llega a todo el mundo y mucha gente muy dispar se puede sentir identificada con ella. Se trata de un trabajo en conjunto. Todo el mundo es genial y hace su viaje único y va evolucionando, y todo es culpa de Diablo (Cody).
P: ¿Conociste a Diablo Cody?
R: No la verdad. La conocí uno o dos días antes de iniciar el rodaje. Me daba mucha impresión, estaba asustada en general con todo el tema del rodaje. No quería fastidiarlo. No quería fastidiárselo a ella. Pensaba que era la persona más guay de todo el planeta, y lo es. Es una persona muy auténtica y maravillosa.
P: ¿Qué crees que harías si estuvieras en el lugar de Juno? ¿Embarazada a los 16?
R: No tengo ni idea. Es una de esas situaciones en las que no sabrías que hacer hasta que realmente te pasara a ti. Esperaría obviamente que por lo menos tuviera todas las opciones para elegir libremente.
P: La banda sonora de Juno es fantástica. He leído que tiene algo que ver contigo. ¿Nos lo podrías explicar?
R: Sí. La tercera vez que quedé con Jason Reitman me preguntó qué grupos creía yo que Juno escucharía. Yo le contesté que Moldy Peaches. Jason no les conocía así que le puse algunas canciones y resultó que le gustaron muchísimo y utiliza una de sus canciones al final de la película. Fue genial. También le puse canciones de Cat Power. Es que me encanta la música, así que para mí es genial.

BEOWULF

2007-11-28T03:52:00.000-08:00

Llega un héroe de verdad: con la espada más larga del reino, una melena que las vuelve locas y unas ganas salvajes de descuartizar monstruos.
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Ahhhh... Amigos, hacía tiempo que teníamos ganas de ver una buena peli de fantasía heroica, con sus espadas de medio metro, reyes decrépitos, monstruos malvados, brujería de la buena y esas cosas… Beowulf tiene todo eso y más. Sin límites a la imaginación y con Zemeckis, Avary y Gaiman al volante, puedes estar seguro que el viaje será movido y espectacular. No se trata ni mucho menos de una película amable para niños. Estamos ante un festín de violencia de los que salpican sangre en las palomitas, con muerte, hemoglobina, dolor y hasta algún que otro desnudo, que siempre se agradece. Las imágenes son tan realistas que confunden y el look es sencillamente arrebatador. Esto huele a película de animación del año.
Director: Robert Zemeckis. Con Ray Winstone, Crispin Glover, Anthony Hopkins, Angelina Jolie. Animación, espada y brujería. EE.UU, 2007. Estreno: 23 de noviembre. www.warnerbros.es/beowulf. www.beowulfmovie.com.

ONCE IN A LIFETIME

2007-07-20T01:01:00.000-07:00

El ascenso y caída de los predecesores estadounidenses de los galácticos. La televisión mata también a las estrellas del césped. Por E. Hernández
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A pesar de la historia que cuenta, la ascensión y caída del Cosmos, el equipo de fútbol más famoso de EEUU, se trata de un documental que acumula méritos para interesar a más espectadores que los meros aficionados al deporte. A saber: por aquí aparecen grandes estrellas, dinero a espuertas, ambición y buenos y malos, pero también pericia narrativa y una gran banda sonora (que recorre todos los estilos en boga en los setenta). En Once in a lifetime veremos cómo magnates del entretenimiento, liderados por el entonces presidente de Warner Communications, Steve Ross, tuvieron el sueño de convertir un deporte residual en EEUU en un fenómeno masivo. Con ese objetivo ficharon a Pelé, a Franz Beckenbauer, al brasileño Carlos Alberto y a un goleador, Roberto Chinaglia, el villano de la función. Observando al Cosmos desde la distancia, los protagonistas aseguran que su equipo fue dos décadas por delante; que hoy sería comparable al Madrid de Florentino y los galácticos. Puede ser, porque sus rencillas también estaban causadas por los celos y los jugadores solían encargarse de cerrar discotecas. Claro que de mayor categoría; ellos eran habituales del Studio 54. También fueron grandes estrellas mediáticas y por su palco pasó todo el mundo que era alguien en el mundo del espectáculo. Pero entre la mala influencia de Chinaglia sobre Ross y, sobre todo, con las bajas audiencias de televisión, el Cosmos cerró sus puertas y el soccer terminó por regresar a las sombras.
ONCE IN A LIFETIME: THE EXTRAORDINARY STORY OF THE NEW YORK COSMOS.
Dir: Paul Crowder y John Dower. EEUU/Inglaterra, 2006. Con Matt Dillon (narrador), Johan Cruyff, Pelé, Giorgio Chinaglia. Documental futbolero. 1h37. Estreno: 20 de julio. www.onceinalifetime-movie.com

HANA

2007-07-14T13:01:00.000-07:00

La lucha contra las obligaciones impuestas por el código del honor, retratada en un film de samuráis sin peleas y donde el héroe es un guerrero cobarde. Por E. H.
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A Kore –Eda le gusta mostrarnos su realidad desde una perspectiva casi documental, empleando una mirada limpia que no enturbie el dibujo de sus personajes. Así comienza Hana, con su barrio pobre desperezándose, iniciando cansada y felizmente un día más. En ese entorno encontraremos un intruso, un joven débil emigrado a la ciudad con la misión de vengar la muerte de su padre, pero que carece de la determinación y del deseo para alcanzar su objetivo. Junto al chicken samurai, aparecerán también guerreros adictos a la espada, deseosos de que el combate les dé gloria o muerte. Y si el director utiliza entonces el registro teatral, no es sólo porque convenga al aliento humorístico que quiere dar a la película sino, ante todo, para subrayar el sinsentido de las obligaciones contraídas a través de ese código del honor. Y es que la intención de Kore-Eda es señalarnos inequívocamente (y más, asegura, después del 11 S) que la venganza es una cadena que obliga a generaciones futuras a seguir el camino del odio.
Claro que esa apuesta por la vida en detrimento de los ideales ancestrales (que sigue el camino contrario al de Eastwood en su versión de la batalla de Iwo Jima) es artísticamente válida sólo en la medida en que Kore- Eda logra que el espectador sienta que la fuerza de esa vida cotidiana que se cuela por todas las rendijas es mucho mayor que la del teatro del honor representado. Y Hana es algo afectada, pero cumple sobradamente su objetivo.
HANA (Hana yori mo naho) Dir: Hirokazu Kore-Eda. Con: Junichi Okada, Rie Miyazawa, Tadanobu Asano. Japón. 2006. Comedia dramática, 2h07.
Estreno:14 de julio. www.kore-eda.com/hana

LAST DAYS

2007-06-22T05:17:00.000-07:00

Van Sant regresa al hiperrealista estilo documental de ‘Elephant’ para mostrar cómo crece la hierba sobre el cadáver de Kurt Cobain. Por Esteban Hernández
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Last days comienza cuando se adentra en el bosque un balbuceante Cobain (interpretado por Michael Pitt) arrastrándose por la maleza hasta dar con un río en el que termina por zambullirse. Podremos verle orinar y calentarse en una hoguera antes de regresar, al día siguiente, a la mansión desvencijada donde reside. Y Van Sant nos lo cuenta con una morosidad exasperante por momentos, como si quisiera hacer buenas aquellas palabras de Arthur Penn sobre Rohmer: “Sus películas son como ver la hierba crecer”. La película quiere ser un homenaje poético al líder de Nirvana, tanto en lo formal, donde la principal obsesión del realizador es ofrecernos imágenes estilísticamente puras, como en cuanto a su contenido, retratándonos a un artista herido para el que las palabras carecen ya de sentido, y que ha cerrado las puertas a un mundo opresivo que sólo se acuerda de él para exigirle. Como ya hiciera en Elephant, Van Sant imprime al relato la humanidad necesaria para entender los últimos días de una vida rota. A los seguidores de Van Sant el resultado no les decepciona. Para los no iniciados, el pronóstico es más bien reservado.
LAST DAYS Dir: Gus Van Sant. EE.UU, 2005. Con Michael Pitt, Lukas Haas, Asia Argento, Scott Patrick Green. Drama hiperrealista. 1h37. Estreno: 20 de junio. www.lastdaysmovie.com.

CRONICAS

2007-06-22T04:59:00.000-07:00

La sorpresa de la temporada. Un cóctel explosivo y abrumador de prensa sensacionalista, miseria extrema y asesinatos en serie. Por Javier Rebollar
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La sorpresa de la temporada. Un cóctel explosivo y abrumador de prensa
sensacionalista, miseria extrema y asesinatos en serie. Por Javier Rebollar
Basta ver los primeros 15 minutos de esta película para saber que el individuo que responde al nombre de Sebastián Cordero es un elemento a tener en cuenta. Y es que para el arranque de su segunda cinta, el director ecuatoriano ha parido una secuencia explosiva, de esas que desbordan violencia y paranoia por todos lados provocando reacciones auténticamente hormonales. En Hollywood fue verla y contratar al susodicho para ponerle al frente de la próxima película de Harrison Ford, y hacerle de este modo ingresar con todos los honores en el club de los Iñárritu, los Cuarón y los Del Toro. ¿Pero qué diablos es lo que pasa en esa condenada secuencia? Baste decir que hay un funeral, un niño cae muerto, un hombre es casi linchado por una turba y un equipo de reporteros de la prensa más sensacionalista graba todo el asunto. El hecho ocurre en un pueblucho abrumadoramente jodido no sólo por la miseria, sino por la sombra de un asesino en serie conocido como El Monstruo de Babahoyo. Un personaje construido por Cordero a partir de las historias de tres psicópatas que, allá por los noventa, horrorizaron Ecuador violando y asesinando a menores. Seguramente habrá quien piense que una ampulosa secuencia inicial no basta para sostener una película. Sin embargo, hay que tener las ideas muy claras para no dar ni una pizca más de violencia y sostener la historia a fuerza de diálogos y a pesar de un protagonista que, lástima, no está a la altura.
CRÓNICAS Dir: Sebastián Cordero. México-Ecuador, 2005. Con John Leguizamo, Damián Alcázar y Leonor Watling. Thriller. 1h48. Estreno: 22 de junio. www.versusnet.es.

HISTORIA DE UN CRIMEN

2007-06-15T07:26:00.000-07:00

Vuelve ‘Trauman’ Capote y la génesis de una de las novelas más importantes del siglo pasado… aunque esta vez no esté Philip Seymour Hoffman. Por Óscar Broc
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¿Es posible estar a la altura del Truman Capote de Philip Seymour Hoffman? Pues sí. ¿Es posible rodar idéntico contenido sin resultar repetitivo? Pues sí. Aunque las comparaciones entre el Capote de Hoffman y el que nos ocupa resulten inevitables –incluso abordan el mismo período de la vida de escritor– , hay que decir que ambas películas pueden disfrutarse paralelamente e incluso complementarse en beneficio del espectador. Dicho esto, sólo nos queda disfrutar de esta notable y entretenida relectura del proceso de investigación que dio vida a la célebre novela A sangre fría. Sí, Historia de un crimen es un hábil y absorbente retrato de una personalidad compleja y llena de claroscuros en su momento de mayor lucidez. La película funciona tan bien como su homóloga y eso es lo que cuenta. En la pugna en cartelera entre Capote e Historia de un crimen fue la primera la que se llevó el gato el agua en Estados Unidos. Resulta incomprensible que dos films de tan parecida temática coincidieran en las mismas fechas de producción. Por suerte, y sin que sirva de precedente, el estreno tardío de la película de McGrath en España nos permitirá volver a ese período fascinante de la vida del escritor sin que el viaje nos resulte pesado y repetitivo.
HISTORIA DE UN CRIMEN (Infamous) Dir: Douglas McGrath. EE.UU, 2006. Con Toby Jones, Sandra Bullock, Gwyneth Paltrow, Daniel Craig. Drama. 1h50. Estreno: 15 de junio. www.warnerbros.com/infamous.

CORAZONES SOLITARIOS

2007-06-15T07:17:00.000-07:00

Están enamorados y han decidido aterrorizar América dejando un reguero de víctimas a su paso. ¿Conseguirá Travolta freírles en la silla eléctrica? Por Ó. Broc
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Martha Beck y Raymond Fernández, curiosa pareja de enamorados, aterrorizaron a los americanos en los años 40 matando a mujeres que él seducía a través de anuncios de contactos hasta que el detective Elmer C. Robinson los capturó y les envió a la freidora. Basada en hechos reales, Corazones solitarios es una de esas historias estilo Bonnie and Clyde en la que dos tarados viven una historia de amor entre asesinato y asesinato.
Es un mito que ya hemos catado en infinidad de películas y jamás podrá ser superado después de la gloriosa La huída, de Peckinpah. Y de eso hace ya 35 años. De hecho, la historia de estos asesinos en particular se ha llevado ya dos veces al cine, aunque lo que hace esta versión realmente especial es que su director, Todd Robinson, ha optado por centrar el film en Elmer C. Robinson, el detective que condujo la investigación y que para más inri es ni más ni menos que su abuelo. Conexión familiar y emocional, pues, para un thriller a medio camino entre L.A. Confidential y La dalia negra, con una ambientación espectacular y los tonos pulp que se exigen en una historia tan negra y violenta.
Destacan John Travolta en el papel del agente de la ley, James Gandolfini –el gordísimo Tony Soprano– interpretando a su mantecoso compañero y la siempre explosiva Salma Hayek en la piel de la mala malísima. Un cóctel de estrellas para un
thriller de impresión que ha sido diseñado para acabar con la reserva de palomitas de la sala.
CORAZONES SOLITARIOS (Lonely Hearts) Dir: Todd Robinson. EE.UU, 2006. Con John Travolta, Salma Hayek, James Gandolfini. Thriller. 1h48. Estreno: 15 de junio.www.filmax.com.

TIDELAND

2007-06-08T05:13:00.000-07:00

Terry Gilliam vuelve con una extraña, onírica y alucinógena película no apta para todos los paladares. Bienvenidos a algo así como ‘Nunca Jamás’. Por Ó. Broc
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Vista como un mero espectáculo imaginativo, la película resulta deslumbrante en todos sus ángulos, pero si intentamos buscar una silueta reconocible en el casi inexistente guión naufragaremos junto a Terry Gilliam en un mar de segmentos oníricos inconexos y referencias feéricas. Pero es en ese galimatías sin hebras argumentales donde Gilliam parece sentirse más cómodo; quizás por eso, la película nos depara algunos de los sueños más fascinantes y bellos que ha rodado nunca el realizador británico. El film comienza engañando al espectador, sumiéndole en un inicio ciertamente oscuro y tormentoso donde las drogas –un elemento siempre presente en la filmografía de Gilliam– conforman un preludio perturbador. Pero cuando parece que vayamos a descender a un pozo de brea emocional de primera magnitud, el director nos clava su dardo alucinógeno, nos coge por el pescuezo y nos lanza a descubrir los sueños imposibles de la pequeña Jeliza-Rose, interpretada por Jodelle Ferland, una de las niñas-actrices más convincentes que servidor recuerda en mucho tiempo. Y los resultados, por muy delirantes que parezcan en un primer momento, resultan deliciosamente previsibles: un Gilliam resentido con el celuloide convencional y sus mecanismos comerciales, un Gilliam excesivo e insondable en su afán por reafirmarse en el cine de autor, un Gilliam desbordante y errático… Más o menos lo que esperábamos. Un film, en definitiva, tan fascinante como insondable.
TIDELAND. Director: Terry Gilliam. Con Jeff Bridges, Jodelle Ferland, Janet McTeer, Brendan Fletcher. Canadá-Reino Unido, 2005. Cine de autor. 1h62. Estreno: 22 de junio. http://tidelandthemovie.com.

ZODIAC

2007-05-17T12:53:00.000-07:00

David Fincher vuelve con un thriller escabroso marca de la casa: las andaduras del asesino del zodiaco… Mami, tengo mucho miedo. Por Óscar Broc
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Un film de las características de Zodiac es quizás lo que necesitaba David Fincher para revindicarse de nuevo con el mismo impacto de los días de Se7en. Y esta vez lo hace con personajes reales, nada de asesinos imposibles surgidos de la mente de un guionista perturbado Fincher apuesta esta vez por un baño de realidad con un psicópata que existió y aterrorizó a la ciudad de San Franciso en los 70 –el mítico asesino del zodiaco- y lo hace con un estilo a medio camino entre el documental y el thriller de impacto. Sí, impacto, porque el director saca lo mejor de su repertorio para fabricar una obra que electriza y sobrecoge al espectador, especialmente en las escenas de violencia. Sin obviar tampoco la soberbia ambientación y meticulosa puesta en escena.
ZODIAC Director: David Fincher. Con Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Robert Downey Jr.
Estados Unidos, 2007. Thriller. Estreno: 18 de mayo. www.zodiacmovie.com

CIUDAD EN CELO

2007-05-12T00:32:00.000-07:00

Mujeres con miedo a ser amadas y hombres que hablan de sexo cuando quieren decir amor: Buenos Aires es un viejo bar que mezcla a Gardel y Ellington. Por E. H.
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Hay una pregunta que los protagonistas de esta comedia vaporosa explicitan a mitad de película, pero que ha estado en la mente del realizador desde su inicio: ¿cuál es el sexo de Buenos Aires? Concluyen que B.A es una mina, y bien podría decirse que es una mujer que está deseando ser amada.
Pero se podría asegurar más aún, que la vieja ciudad está llena de hombres que se pasan la vida hablando de sexo cuando en realidad quieren decir amor, que han quedado atrapados por hembras salidas de ensoñaciones casi patológicas, y que, a pesar de todo, esas imágenes casi irreales les hacen la vida soportable. Este B.A es un lugar donde, a pesar del aumento de centros comerciales, aún pueden existir bares que deben su ambiente tanto a Carlos Gardel como a Duke Ellington, y que tienen algo de islote, de refugio frente a ese exterior amenazante que sólo hace acto de presencia para recordarnos lo mal que están las cosas, ya sabes, delincuencia, crisis económica y muerte.
Frente a eso –como nos ocurre con el cine, nos dice su director– podemos reconocernos en la atmósfera cálida de un bar, en sus conversaciones livianas y profundas, en los amores perdidos y reencontrados. El problema es que no nos lo cuenta con el pulso narrativo preciso. Y un segundo inconveniente: que sus personajes hablan demasiado. Y es que a veces los tópicos se hace realidad. Aquí hay argentinos que caen en el exceso verbal. Pero, ¿qué esperabas?, se trata de Buenos Aires...
CIUDAD EN CELO Dir: Hernán Gaffet. Con Daniel Kuzniecka, Adrián Navarro, Dolores Solá.
Argentina-España. Drama.1h44. Estreno: 11 de mayo. www.altafilms.com.

SPIDERMAN 3

2007-05-02T03:15:00.001-07:00

Vuelve el trepamuros más querido de la ciudad de Nueva York, y esta vez tendrá que luchar contra dos cabrones de verdad y… ¡su propio traje! Por Ó. B.
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Todo parecer indicar que éste será posiblemente el último esfuerzo de Peter Parker tal y como lo conocemos, de ahí que este nuevo capítulo haya recibido el fervor casi irracional de miles y miles de fans. Lo cierto es que el contrato de Tobey Maguire expira con este último episodio y el actor ha repetido en muchas ocasiones que no se ve rodando una cuarta parte, que todo lo que se tenía que decir estaba ya dicho. Por si fuera poco Sam Raimi ha comentado que encuentra casi imposible rodar una cuarta parte sin Maguire como protagonista. Y la guinda es que Kirsten Dunst ha afirmado que si Raimi no sigue, la tercera será también su última peli. Seguramente habrá nuevos Spidermans, pero todos sabemos que sin Raimi, Maguire y Dunst no será lo mismo. Quizás ahora, el lector comprende la magnitud de Spiderman 3, seguramente el último film que veremos del arácnido en todo su esplendor. Y todo parece indicar que Sam Raimi ha querido despedirse a lo grande, con uno de los personajes de la mitología reciente del trepamuros más reverenciado por los lectores: ni más ni menos que Venom, un alienígena formado por una sustancia negra que se transformará en su traje –un flamante y mega cool pijama negro que es una maravilla, oigan– y sacará lo peorcito, el lado más oscuro, de nuestro superhéroe.
SPIDERMAN 3 Dir: Sam Raimi Con Kirsten Dunst, Tobey Maguire y James Franco. EE UU, 2007. Superhéroes. 2h36. Estreno: 4 de mayo. www.sonypicturesreleasing.es

THE OFFICE

2007-04-30T01:57:00.000-07:00

Divierte, asusta, jode... ¿Cuántas series actuales de televisión conoces que sean capaces de esto? Y ahora puedes ver 22 episodios uno tras otro. Por Javier Rebollar
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Rabiaba por ver esta serie. Ahora que me he sometido a la segunda temporada completa puedo dar fe: es una serie que jode. Y jode, no porque no sea divertida, que lo es de cagarse. Tampoco porque al espectador medio le cueste adaptarse a su aspecto de falso documental y esa cámara tipo peli Dogma que le va estupenda al asunto. No. The Office jode por dos razones. Primero, porque nos obliga a mirarnos en un espejo y lo que vemos nos deja traspuestos: somos patéticos. Segundo, porque es inevitable preguntarnos: ¿cómo cojones nos hemos convertido en esto? Y si bien The Office funciona como una sitcom de episodios autoconclusivos al uso, con una vocación que recuerda a Seinfeld y que además se burla de otras sitcoms –Friends, por ejemplo–, en realidad The Office puede considerarse un estudio. La asignatura: Relaciones Laborales. Aquí lo que importa no es lo que pasa, sino lo que se dice. Lo que dice especialmente Michael, el jefe de todo esto. Personaje repugnante, por supuesto. Un déspota tarado para el que su creador ha escrito monólogos de una brillantez que, a su manera, no piden nada a un House y que hacen que el personaje termine por ser tanto o más entrañable que el gran Swearengen de Deadwood. Y no, The Office no es como Camera Café: la serie española es a la americana lo que Mickey Mouse a Godzilla. ¿Aprendes algo? ¿Cambias el rumbo? Eso depende, pero el susto que te llevas de ti mismo es de “juro que no lo vuelvo a hacer”.
THE OFFICE Creadores: Ricky Gervais y Stephen Merchant. Estados Unidos, 2005. Con: Steve Carrell, Rian Wilson. Segunda temporada a la venta desde el 25 de abril. www.nbc.com/nbc/The_Office

LA MALDICIÓN DE LA FLOR DORADA

2007-04-26T09:50:00.000-07:00

Entre Shakespeare y las artes marciales, Zhang Yimou construye un colorido film con intenciones simbólicas y resultados estéticamente notables. Por Esteban Hernández
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El creador de Sorgo Rojo y Ju Dou se encuentra cada vez más cómodo en esa suerte de híbrido que contribuyó a inventar con películas como Hero o La casa de las dagas voladoras, y en el que mezcla las pasiones habituales de los poderosos, una colorida estética oriental y exageradas escenas de combate propias de las películas de kárate de los años setenta. En este caso, los embozados expertos en artes marciales brincan alrededor de una familia imperial, compuesta por una panda de angelitos digna de las mejores películas independientes, de esas cuya trama consiste en retratarnos a una familia disfuncional en su esplendor, pero aquí revestida de los oropeles del poder más absoluto. Eso sí, Zhang Yimou ha disminuido el número y extensión de las peleas coreografiadas y los excesos ambientados en el campo de batalla. No renuncia al esplendor del color, pero sí, o al menos parcialmente, al de la efectividad de los saltos imposibles en el aire. En definitiva, placer estético y un mensaje bastante más profundo de lo que parece. Y es que cuando los karatekas se ponen serios...

LA MALDICIÓN DE LA FLOR DORADA (Man cheng jin dai huang jin). Dir: Zhang Yimou. Con Chow Yun Fat, Gong Li, Jay Chou, Ye Liu, Dahong Ni. China, 2006. Drama. 2h25. Estreno: 27 de abril. www.sonyclassics.com/curseofthegoldenflower

SUNSHINE

2007-04-19T12:25:00.000-07:00

El director de ‘Trainspotting’ y ‘28 días después’ se la juega con un epopéyico film de ciencia ficción: ¿el sol se apaga? Pues lo encendemos. Por Ó. Broc
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Lo que todos temíamos se ha hecho realidad. El sol se ha ido al garete y tiene los días contados. Hay que hacer algo o la humanidad correrá la misma suerte que las hombreras: extinción total. La única solución para mantener encendida la bombilla más poderosa del sistema solar es enviar a unos cuantos lampistas vestidos de astronautas hasta el mismísimo astro rey, y, artilugio futurista mediante, hacer todo lo posible por evitar que se fundan los plomos. Sunshine no es nada que no hayamos visto antes, claro, el recurso de la nave perdida en el espacio con tripulación amenazada está más visto que el escote de Penélope Cruz, pero la ejecución del film apunta alto, lo que sin lugar a dudas hará que cualquier fanático de la ciencia ficción se relama los dedos y patalee presa de un orgasmo galáctico. En efecto, porque si lo que busca el espectador es un ejercicio metafísico en las alturas, se dará de morros con una película que apuesta claramente por la acción trepidante, el suspense y la vomitona de efectos de última generación. Palomitas por la vena, vamos. Ahí es donde triunfa la película, sin duda, pero en cuanto a la sustancia quizás no aporta mucho más que el grueso de productos fílmicos similares, que hemos podido degustar hasta la fecha.

SUNSHINE. Director: Danny Boyle. Con Rose Byrne, Cliff Curtis, Chris Evans, Troy Garity, Cillian Murphy. Reino Unido, 2007. Thriller espacial. Estreno: 20 de abril. www.foxsearchlight.com/sunshine

EL BUEN PASTOR

2007-04-02T03:43:00.000-07:00

Espías que no hacen el amor, desconfianza obsesiva y paranoia como forma de vida protagonizan el regreso de De Niro a la dirección. Por E. H.
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James Jesús Angleton es el personaje real en el que se basa esta historia. También fue el protagonista de la mejor novela de espías del siglo XX: El fantasma de Harlot. Y es que el tipo daba bastante de sí, por lo que no es de extrañar la fascinación que les ha suscitado a De Niro y a Norman Mailer. Y tampoco lo es que ambos hayan querido repasar acontecimientos vitales (y ocultos) de nuestra historia reciente a través de la mirada de un tipo hierático físicamente y emocionalmente congelado que sólo disfruta de verdad cuando emprende la caza de el otro. Aunque la extensión del metraje no ayude demasiado, De Niro acierta en su paseo cinematográfico a través de los callejones oscuros de nuestras sociedades en busca de una respuesta a cuándo y por qué nos volvimos paranoicos –y por qué no hemos dejado de serlo–, apoyándose en una narración limpia, en interpretaciones habitualmente notables y en un análisis que trata de subrayar cómo la psicología de los dirigentes acaba por convertirse en la psicología de las naciones.
EL BUEN PASTOR (The Good Shepherd) Dir: Robert De Niro. Con Matt Damon, Angelina Jolie, Joe Pesci, William Hurt. EE UU, 2006. Drama de espías. 2h80. Estreno: 4 de abril. www.elbuenpastor-lapelicula.es

DIARIO DE UN ESCANDALO

2007-03-31T04:25:00.000-07:00

Acerca del sistema educativo posmoderno o cómo la despótica Judi Dench se enreda en juegos de poder y celos con la ardorosa Cate Blanchett. Por E. Hernández
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En una primera lectura, lo más llamativo de la adaptación de la novela de Zoe Heller es el duelo interpretativo Dench/Blanchett,. En segundo lugar encontraríamos un guión que se zambulle en morbosos juegos de poder femeninos que recuerdan demasiado a los habituales dilemas varoniles. Pero si fuéramos un paso más allá del chantaje obsesivo y de las anécdotas sexuales (Dench quiere acostarse con Blanchett y ésta disfruta con encuentros ilícitos con un quinceañero), veríamos también el enfrentamiento malsano entre dos mentalidades. De un lado, una despótica y solitaria profesora que ama la mano dura, que piensa que “enseñar es controlar a la masa” y que al mirar a sus alumnos solo ve futuros reponedores de Carrefour y dependientas de Zara. Del otro, una joven profesora más abierta y moderna, que ofrece a sus alumnos una actitud más empática, pero que finalmente sólo desea calmar su ansia sexual. O dicho de otro modo, Diario de un escándalo es la pelea entre dos mujeres angustiadas por la soledad, que sienten que la vida se les escapa y que tratan de agarrarse a sus pa iones privadas como la única forma de sentirse vivas. Juegos de poder, amores prohibidos, relaciones contra natura. ¿Pero en qué se está convirtiendo nuestra escuela?
DIARIO DE UN ESCÁNDALO (Notes on a Scandal) Dir: Richard Eyre Int: Judi Dench, Cate Blanchett, Tom Georgeson Drama. Reino Unido.1h32. Estreno: 30 de marzo. www.fox.es

DAYS OF GLORY

2007-03-30T08:43:00.000-07:00

Cine bélico no apto para timoratos ni reaccionarios. Una superproducción europea que como pocas merece el adjetivo de necesaria. J.R.
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Rechina mucho que una película argelina hablada y titulada en francés se estrene en España con un titulo en inglés. Más aún cuando existen al menos otras diez películas con titulo semejante. Dejando aparte la errática estrategia de marketing que pretende sortear como puede el mal momento para el cine bélico en general, poco hay que reprochar a Indigènes (su titulo original). Se trata de una cinta de un ligero y necesario aspecto demodé que aporta una visión inédita, y desconocida por la mayoría; del papel de Francia en la Segunda Guerra Mundial.
El hecho real es que en aquellos años unos 130.000 “indígenas”, es decir argelinos, musulmanes se alistaron en el ejército francés para luchar contra los nazis. Una participación tradicionalmente ninguneada por “la madre patria”, y que gracias a está película ha recibido por fin su justo reconocimiento. Por su parte, en la revisión histórica que en DAYS OF GLORY se hace de aquel acontecimiento no se escatimo en recursos. La película tiene empaque de superproducción europea: el nivel de realismo no pide nada ni a Salvar a al Soldado Ryan ni a Banderas de nuestros padres. Y del mismo modo que aquellas, Day of Glory es ante todo una cinta de personajes, pero con un plus importante: la calidad de sus actores. El talento de los jóvenes intérpretes argelinos imprime a la cinta una fuerza y una verosimilitud que pocas veces se alcanza en cintas de este género. Un esfuerzo que les llevo a hacerse en colectivo con el premio a la mejor actuación en el Festival de Cannes.

300

2007-03-24T02:25:00.002-07:00

Hollywood regresa al cine épico, y los hace a lo grande. La adaptación de la obra maestra del creador de Sin City es literalmente deslumbrante. Por O. Broc
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Una vez más, la inspiración ha surgido del universo de tinta, color, sexo y violencia del guionista y dibujante de cómics Frank Miller, uno de los pocos visionarios que le quedan al mundo de la viñeta más comercial. Pero mucho cuidado, esto nada tiene que ver con los delirios noir de Sin City, porque 300 se basa en una novela gráfica de Miller, publicada en España por Norma, en la que se narran los hechos acontecidos en la batalla de Termópilas, que enfrentó a los espartanos liderados por Leónidas y los persas de Jerjes. Lo curioso y retorcido es que el cómic a su vez se inspira en la película de 1962 Los 300 Héroes: cine y cómic, cómic y cine una vez más retroalimentándose ad eternum. Nada de adaptación libre, dejémonos de tonterías. Si se trata de Miller está claro que basta con calcar la historia en todos los sentidos: cuando el material original es tan bueno, ¿para qué cambiarlo? 300 trae consigo todos los ingredientes que definen el espectáculo. Sexo y violencia cobran un protagonismo ejemplar en una historia que se forja a hierro y hemoglobina, un relato sangriento de guerra, honor y muerte no apto para estómagos impresionables.
300 Director: Zack Snyder. EEUU, 2007. Con Gerard Butler, David Wenham, Dominic West. Acción, drama, histórica Estreno: 9 de marzo. 300themovie.warnerbros.com

TRISTAM SHANDY

2007-03-24T02:25:00.001-07:00

Con inventiva formal y mirada irónica, Winterbottom nos cuenta, que en la vida como en la obra de arte, los caminos son siempre impredecibles. Por Esteban Hernández
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Mucho más que abordar una adaptación del clásico de Lawrence Sterne, Winterbottom ha querido mostrar cómo nos influye el azar en este divertimento de estimable factura y mirada irónica. Mitad sainete y mitad juego estético, este Tristam Shandy traslada muchos de los asuntos que conformaban la obra original al rodaje de una película independiente, al que dan forma las luchas de egos, la necesidad de financiación, las improvisaciones nocturnas y un montón de simples caprichos. Porque Winterbottom quiere añadir una pieza más, la de la comedia, al puzle en que se ha convertido su filmografía, pero también pretende hablarnos sobre la imposibilidad de domesticar el azar, afirmándose en la idea de que la existencia no es más que un cúmulo de eventualidades. Y como los artificios formales no estorban y sus pretensiones no son excesivas, acabamos por encontrarnos, sin pretenderlo, con una película con la que pasar un buen rato.
TRISTAM SHANDY Dir: Michael Winterbottom Int: Steve Coogan, Rob Brydon, Gillian Anderson, Jeremy Northam UK. Comedia. 1h43. www.tristramshandymovie.com

EL ULTIMO SHOW

2007-03-24T02:25:00.000-07:00

Altman ofrece en su despedida la fórmula de siempre: historias cruzadas, gran reparto y un humor que oscila entre el cinismo y la melancolía. Por E. Hernández
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Y para terminar, un poco más de lo mismo, de eso que le otorgó una marca de fábrica y en lo que supo desenvolverse tan bien: retrato coral, historias que se entrecruzan y muchos personajes en escena. En este caso, con inevitable aroma a testamento. Junto a él, Garrison Keillor, un locutor popular en la radio estadounidense, en la que lleva 31 años y cuyo show, el Prarie Home Companion, da el título original la película y ofrece un perfecto escenario para una trama habitual en Altman: el último show de un programa poco acorde con las nuevas reglas impuestas por las grandes corporaciones, tendremos algo de censura cristiana, cantantes de gospel cuya vida no va a la par de las letras que cantan y tipos que intentan hacer lo que siempre han hecho en un mundo que cada vez les reconoce menos. Si Altman quería ver en ello una metáfora de su obra, no lo deja entrever demasiado porque, según el director de M.A.S.H., esta es una película sobre la muerte. Pero rodada como si la vida continuase eternamente.
EL ÚLTIMO SHOW (A Prairie Home Companion) Dir: Robert Altman Int: Meryl Streep, Lindsay Lohan,Woody Harrelson. EE.UU. Comedia dramática.1h46 www.mangafilms.es

EL JEFE DE TODO ESTO

2007-03-17T02:03:00.000-07:00

Sin noticias del famoso Dogma y ni hablar de experimentalismo. Lars von Trier se toma un respiro con este divertimento sencillo pero mordaz. Por E. Hernández
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Me contaba un productor artístico que, negociando un contrato con el director general de una compañía discográfica, al solicitarle que elevara la oferta, el tipo le contestó: “Imposible, órdenes de arriba”. Pues el protagonista de la comedia de Von Trier hace lo mismo, sólo que para poder justificarse correctamente contrata a un actor en paro para que encarne al de arriba, a ese sujeto desconocido que dirigiría incluso los destinos del director general. Y es que este divertimiento moderno, que trata de enlazar antiguos enredos con nuevas dificultades sociales, como esa necesidad de escudarse en otro para tratar mal a los propios empleados, le sirve a Von Trier para cambiar de aires. Tanto por género como por estilo narrativo, el largometraje responde al deseo de su realizador de tomarse un respiro y de transitar por caminos más relajados, alejándose tanto del experimentalismo feliz de su primera época como de la desnudez de la última. Y lo hace con una producción que, aunque lenta en su arranque, ofrece lo que promete, permitiendo al espectador pasar un buen rato. Quizá lo más peculiar de la cinta sea su inocuidad: que Von Trier escoja el mundo de la empresa y de sus imposturas para hacernos reír, lleva dentro de sí una intención crítica mucho menor de lo que parece. En realidad, Von Trier quiere echarse unas risas arremetiendo contra todos; y lo consigue. Aunque, quizá, como dice el realizador danés, las buenas comedias nunca sean inofensivas.
EL JEFE DE TODO ESTO (The boss of it all) Dir.: Lars von Trier. Dinamarca-Suecia. 2006.Int.: Jens Albinus, Peter Gantzler. Comedia. 1h40. www.golem.es/distribucion

EL VELO PINTADO

2007-03-09T07:42:00.000-08:00

Edward Norton saca a adelante un proyecto personal tras diez años de intentos. Cine romántico, de época con la vitalidad del siglo XXI.
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Cuidadín. Aunque el título es ciertamente lamentable, y el marketing la presente como una peli romántica de las blanditas, El velo pintado tiene mucho más marcha y profundidad que algunas indies que van de trascendentes. La idea misma que da pie a la historia ya tiene su punto: un médico descubre que su mujer se la pega y, en vez de correr a por la Gillete, decide aceptar un trabajo en un pueblo remoto azotado por una epidemia mortífera y obligar a la adultera a seguirle.
Por supuesto, se trata de la novela de Somerset Maugham, un relato que allá por 1934 ya fue llevado al cine con Greta Garbo en el papel de la infiel. Si bien Naomi Watts esta bastante lejos del perturbardor rostro de la Garbo, la última novia de King Kong tiene el talento para dar cuerpo a un personaje que es a la vez retro y contemporáneo. La historia es de las de época al estilo Lo que queda del día y se desarrolla en la China profunda. Y aunque tenga todo el aspecto de un episodio de venganza, en realidad se trata de una dramática glosa sobre la redención. Una historia de amor que da una sorpréndente vuelta de tuerca y huye del mero romanticismo para cargar las tintas hacía la tensión sexual y psicológica. Así, la travesía de esta pareja mal avenida pasa a convertirse en un opresivo thriller en el que el trasfondo político se inserta estupendamente en el primer plano convirtiendo la cinta en algo mucho más importante que un simple romance entre occidentales.
EL VELO PINTADO (The Painted Veil) Dir: John Curran Con Naomi Watts y Edward Norton. EE.UU, 2006. Drama romántico. 2h05. Estreno el 9 de marzo. www.aurum.es

ME LLAMO EARL

2007-03-07T10:41:00.000-08:00

¿Alguna vez te has preguntado porque tu vida es una mierda? ¿No soportas la pedantería de House y odias Mujeres desesperadas? Esta es tu serie.
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Earl J. Hickey ha militado toda su vida en las grandes ligas de los perdedores. Un purasangre del fracaso cuyo oficio es robar todo aquello que no este atado al suelo. Un inútil de 190 de estatura que un buen día encuentra un billete de lotería premiado con 100 mil dólares, luego es atropellado por un coche y descubre casualmente lo qué es el karma. Earl decide entonces hacer una lista con las malas acciones que ha cometido y decide dedicar el premio a enmendarlas. En cada episodio resolverá una entrada de la lista. Cada vez será mejor persona y así su vida dejará de ser una mierda.
En tiempos en los que triunfar es la palabra clave y en los que es absolutamente legal ser un hijo de puta para conseguirlo, una serie cuyo personaje principal es un perdedor nato reconvertido en una especie de Ned Flanders gamberro no tendría nada que hacer a lado series como House, Anatomía de Gray o Mujeres desesperadas que basan su éxito en la trascendencia como mínimo común denominador. Pero Me llamo Earl es una especie de Seat Panda con el motor turbo de un Mercedes. Con un diseño visual y un personaje inspirados en la imprescindible Arizona baby de los hermanos Coen, cada episodio apuesta por apuntar a la yugular en materia de humor, garantizando un montón de carcajadas de las grandes por cada 30 minutos, eso mientras deja claro que Karma no es una canción de Boy George, y que tarde o temprano, todos tenemos que hacer las cosas difíciles de la vida.
ME LLAMO EARL. Con Jason Lee, Ethan Suplee . Estados Unidos, 2005. Comedia. A la venta el 7 de marzo. www.nbc.com/My_Name_Is_Ear

THE HOST

2007-03-06T09:09:00.000-08:00

Una scary monster coreana con familia disfuncional, antihéroe alelado y bicho a la altura de Godzilla. Puro, total y absoluto entretenimiento. Por Javier Rebollar
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En pleno tercer milenio, el subgénero de las scary monster es como una cincuentona con la tetas caídas que pide a gritos la intervención de Corporación Dermoestética, o al menos un buen sostén que se las levante. Esta situación explica en buena medida el follón que se está levantando en torno a The Host, algo más que un monstruillo que ha sabido saltar fuera del pantano en el momento justo. Envalentonado seguramente por el buen recibimiento de su anterior cinta, Memories of Murder, el coreano Joon-ho Bong ha facturado una de esas raras películas que dejan buen sabor en la boca de todo el mundo. Utilizando como base las convenciones del cine de monstruos y manteniendo a un tiempo todas la esencias, Joon-ho se dedica a dinamitar uno a uno los tópicos del género. Tras un prólogo en el que un científico americano pasado de rosca obliga a su asistente local a verter en el lavabo unos cuantos hectolitros de una sustancia, por supuesto nociva, Joon-ho Bong nos traslada a la pacífica orilla de Río Han, en el centro de Seúl. Apenas nos da tiempo de preguntarnos de qué va ese camarero alelado que quiere comprarle un móvil nuevo a su hija cuando la bestia en cuestión hace acto de presencia. ¡Y de qué manera! Aquí nada de esperar una hora para verle un ojo al bicho. Host ha saltado al ruedo y lo primero que deja claro es que viene con hambre. Segundo, que no es de mucho masticar la comida y, tercero, que la base de su dieta es la carne humana. Host monta la de Dios es Cristo y uno siente como el culo se le queda paralizado en la butaca. Después de esta secuencia de antología, arranca un tour de force rodado con turbo, salpimentado con severas dosis de descarado humor coreano, y un recalcitrante sentimiento antiamericano. Pero ojo, The Host no es una peli de tesis. The Host es ante todo un gran entretenimiento. Un pasatiempo con mayúsculas que decae al inicio del último acto, pero que recupera el punch con creces en una espectacular traca final.
THE HOST Dir: Joon-ho Bong. Corea del Sur, 2006. Comedia fantástica. Dur: 2h. www.notrofilms.com/webthehost

PARIS JE T’ AIME

2007-02-26T04:33:00.000-08:00

20 historias de amor y desamor rodadas por 20 notables cineastas en 20 barrios de la ‘ciudad del amor’. ¿Queda algo hoy de esa ciudad mito? Por E. Hernández
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Una película con veinte capítulos, rodados por veinte directores independientes (de todo el mundo), en veinte distritos de París, con cinco minutos para cadcula apenas hay lugares de postal. Un París visto a través de los ojos de notables directores que deviene en un abanico de historias sobre la alegría, la sa uno y con el propósito de narrar un encuentro amoroso, ajustándose a un presupuesto limitado, incluía quizá demasiados condicionantes. El ejercicio, cuando menos, tenía bastantes papeletas para convertirse en una aburrida sucesión de tópicos bajo una vieja excusa. Aquí están los Coen, Wes Craven, Gus Van Sant, Walter Salles o Alfonso Cuarón, junto con figuras del arte y el ensayo francés como Assayas o Podalydés, el siempre sorprendente Vincenzo Natali e incluso una representante hispana, Isabel Coixet. El resultado final, más que ofrecernos una posición común, muestra el punto de vista de cada director: o sea, que en el film hay más diferencia que unidad. Quizá una de las aportaciones más interesantes de estos retazos del amor en el siglo XXI sea recuperar para el espectador algunos espacios de la vida cotidiana. Porque en esta pelíeparación y los encuentros en clave surrealista. En realidad, la mirada de unos extraños, la de unos cineastas que indagan en calles secundarias y nos devuelve con otra luz la ciudad del mito-tópico.
PARIS JE T’ AIME Dir.: Ethan y Joel Coen, Gerard Depardieu, Alexander Payne. Francia, 2006. Actores: Steve Buscemi, Barbet Schroeder, Juliette Binoche, Leonor Watling, Natalie Portman. Género: Drama romántico.1h60. Estreno: 14 de febrero. www.mangafilms.es

CARTAS DESDE IWO JIMA

2007-02-16T09:37:00.000-08:00

Eastwood reescribe la historia de la legendaria batalla y crea una de las más poderosas elegías antibelicas de todos los tiempos. Por E. Hernandez.
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Sin renegar de su amor por el (mal) destino, Eastwood continua dirigiendo su mirada dura y cristalina hacia la batalla de Iwo Jima desde dos perspectivas diferentes. Dos visiones que en realidad acaban compartiendo núcleo, ya que se refieren esencialmente al poder de convicción de las ideas falsas. En Banderas de nuestros padres mostraba como toda experiencia, incluso la más dolorosa, se transformaba en espectáculo. Con Cartas... incide en la lucha entre la razón y las emociones a través de diversos prototipos, desde el panadero que sólo quiere volver a ver a su familia hasta el militarista fanático, pasando por el personaje central de la cinta, el americanizado General Kuribayashi. Todos ellos asumieron, aunque en grados diferentes, una ficción que hacía que el honor y la lealtad se convirtieran en algo cegador, asfixiante e irracional que les dirigió hacia un sacrificio vacío. Es en esa aceptación del sinsentido de la vida donde Eastwood da con un lirismo profundamente desgarrador que se echa en falta en Banderas... y que hace de Cartas desde Iwo Jima una obra magistral.
CARTAS DESDE IWOJIMA. Dir: Clint Eastwood. Int: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya. Estados Unidos, 2006. Drama bélico. 2h21 www.iwojimathemovie.com

DIAMANTE DE SANGRE

2007-02-09T04:50:00.000-08:00

Acción, mucha acción, DiCaprio y un tema conflictivo: el tráfico de diamantes. Cine comercial con mensaje. Que no se te atraganten las palomitas. Por J. González
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Sierra Leona, 1999. Ha estallado la guerra civil entre las milicias rebeldes y el ejército nacional, y los diamantes son el motor de la misma. Mutilaciones, asaltos indiscriminados, niños soldados y esclavos del siglo XXI. Todo rodado a un ritmo trepidante y crudo, con las balas silbando constantemente en la cabeza del espectador. Leonardo DiCaprio encarna a un traficante de armas que conocerá en la cárcel a Solomon Vandy (intenso Djimon Housoun), un inocente pescador que verá cómo le arrebatan a su familia por culpa de un diamante XXL. Di Caprio (al que, con permiso de Forest Whitaker, es difícil que este año se le escape el Oscar) buscará por todos los medios hacerse con el susodicho pedrusco, mientras juega al gato y al ratón con una periodista norteamericana (Jennifer Connelly: sexy como pocas, hasta en plena selva africana). Como trasfondo de las trepidantes persecuciones y los tiroteos, nos encontramos con unos personajes cargados de connotaciones morales. La pena es que el realismo que se consigue en los dos primeros actos, pierde fuelle por culpa de un final previsible que le resta fuerza y credibilidad.
DIAMANTE DE SANGRE (Blood Diamond). Dir: Edward Zwick. EEUU, 2006. 2h23. Drama, thriller.Int: Leonardo DiCaprio, Jennifer Connelly, http://blooddiamondmovie.warnerbros.com/

BATTLESTAR GALACTICA

2007-02-01T03:45:00.000-08:00

La nueva versión de la setentera ‘Galactica’ es una de las series de ciencia ficción más riesgosas y absorbentes de los últimos tiempos. Por Óscar Broc

La nueva Galactica nada tiene que ver con la ingenuidad de la versión setentera. Aunque está ambientada en un futuro ignoto y nos lleve a una civilización de humanos paralela a la nuestra, Battlestar Galactica se acoge a un realismo que, por momentos, rasga la dermis del espectador hasta llegar al tuétano. En esencia, esto es un drama de corte adulto situado en un contexto de fantasía futurista. La vertiente dramática es uno de los atractivos indiscutibles de esta saga espacial: a diferencia de la mayoría de series y telefilmes de ciencia ficción, aquí se impone una disposición profunda y detallada de los dramas personales de todos los protagonistas, de cada una sus fobias y filias. Aquí primero van las personas y luego los efectos especiales –que, por cierto, no están nada mal–. Odiada por los fans de la serie original por los muchos cambios incluidos, esta odisea protagonizada llega por fin al mercado del DVD español.

BATTLESTAR GALACTICA
Actores: Edward James Olmos, Katee Shackoff, Jamie Amber.
Distribuidora: Universal. Fecha de salida: 31 de enero.

BANDERAS DE NUESTROS PADRES

2007-01-09T02:39:00.000-08:00

La recreación de la batalla de Iwo Jima combina Spielberg con Eastwood,espectacularidad y propaganda con fatalismo. Por Esteban Hernández
Quizá la mayor paradoja de las obras de Eastwood sea que ponen uno de los pulsos más firmes y una de las miradas más diáfanas del cine actual al servicio del fatalismo: en ellas puedes ver con nitidez el peso del destino cayendo, la maldad inevitable, la imposibilidad de escapar. Por eso, el mayor atractivo, a priori, de la esperada Banderas de nuestros padres era que le obligaba a circular estética y éticamente en sentido contrario. De una parte, porque debía enfrentarse a escenas de masas poco usuales en su cine. En otro sentido, para que el lado propagandístico fuera plenamente efectivo, Eastwood había de rebajar su habitual dosis de fatalismo. Del primer asunto no sale indemne: es la parte menos satisfactoria del largometraje; a pesar de algunos encuadres sobrecogedores, cuando filma las batallas toma demasiadas influencias del cine comercial, con excesivos movimientos de cámara y atención al detalle. En el segundo punto se ve reforzado, porque matiza el fatalismo con un tono legendario que sí recuerda a las obras del pasado. Y que conviene a los propósitos: lo que Eastwood y Spielberg (productor de la cinta) quieren hacernos saber es que el soldado no pelea para defender su civilización sino para proteger a los que tiene al lado.
BANDERAS DE NUESTROS PADRES
Dir: Clint Eastwood. EEUU, 2006. Int: Ryan Phillippe, Adam Beach, Paul Walker.
Drama bélico. 2h12. www.flagsofourfathers.com.

BABEL

2006-12-14T02:10:00.000-08:00

Gente aislada, con problemas para relacionarse en la era de la comunicación,
puebla el último film del realizador mexicano más de moda. Por Esteban Hernández
Los aficionados a las obras de González Iñárritu, que desde hace años van en aumento, estarán encantados con Babel, una película cuya estructura narrativa recoge la quintaesencia de este director mexicano, cuyos personajes despiden aire de premio y donde se retoman historias prototípicas del autor de 21 gramos y Amores perros. En Babel, claro está, hay varias narraciones que se entrecruzan: un matrimonio estadounidense roto a causa de la pérdida de un hijo, dos niños marroquíes que han disparado a un autobús, una niñera mexicana que cruza la frontera ilegalmente con dos menores estadounidenses y un viudo japonés que trata de comunicarse con una hija sorda que ha sustituido el contacto afectivo por la sexualidad.
BABEL
Dir: Alejandro González Iñárritu. Con Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal. Estados Unidos, 2006. Drama. 2h22. Estreno: 15 de diciembre. www.babel.uip.es

PADRE DE FAMILIA

2006-12-05T03:55:00.001-08:00

Es la serie de animación más punk y pasada de rosca que se ha visto en mucho tiempo: bienvenidos al apestoso y enajenado mundo de los Griffin. Por Oscar Broc.

Peter Griffin es una bola de manteca despreciable y egoísta. Vive con su abnegada mujer, una hija adolescente con las hormonas disparadas, un hijo en la edad del pavo con el coeficiente intelectual de una gamba, un bebé maligno que sólo piensa en matar a su madre y habla como un literato, y un cínico perro parlante que es alcohólico. Es el idílico fresco familiar que nos depara Padre de Familia. Esta creación de Seth MacFarlane, una de las mentes más explosivas y peligrosas de la televisión actual es como el negativo más aceitoso y seborreico de Los Simpson. Podríamos decir que los personajes de Padre de Familia se atreven a cruzar los límites de corrección que la serie de Matt Groening nunca sobrepasa. Peter Griffin es una versión punk de Homer Simpson. En Padre de Familia no hay piedad, no hay descanso, cada capítulo es una sucesión de gags pasadísimos de tuerca no aptos para almas puritanas y espíritus impresionables.

PADRE DE FAMILIA. Temporada 4. Distribuidora: Fox. Precio: 31,95C.

BRICK

2006-12-04T08:55:00.000-08:00

¿Cine negro sin mujeres fatales, detectives duros o policías corruptos? Rian Johnson nos propone un travestismo de géneros que promete.

Brick no es una película al uso. Su particularidad es que mastica dos géneros ajadísimos en la tradición cinematográfica estadounidense y escupe un producto refrescante en el que ambos se confunden e, incluso, dan a luz un nuevo subgénero casi virginal al que todavía se le puede sacar mucho jugo. Cojamos el cine negro más sobrio y pongámoslo en la sartén. Y ahora hagamos lo mismo con las películas de instituto para adolescentes. ¿Saldrá bueno tan estrambótico salteado? Lo primero que habría que aclarar es que, a pesar del marco donde acontece la acción, Brick no es una comedia de instituto. Su director, Rian Jonson, ha repetido, por activa y por pasiva, que su película se debe a las formas del cine negro de verdad, a la fascinante tradición detectivesca que emanan las novelas de Dashiell Hammett: giros, pistas falsas, misterio, suspense. En otras palabras: su ópera prima nada o muy poco tiene que ver con aberraciones para adolescentes del seborreico pelaje de American Pie y zurullos cinematográficos similares.
AQUI puedes leer la crítica completa

BRICK Dir: Rian Johnson. Estados Unidos, 2006. Con Joseph Gordon-Levitt, Nora Zehetner y Lukas Haas. Cine negro. 1h50. www.brickmovie.net

C.R.A.Z.Y.

2006-08-03T04:13:00.000-07:00

Nacida para convertirse en imprescindible. Desde Canadá y tras las huellas de Léolo llega esta fascinante y conmovedora crónica de familia.
Estamos sencillamente frente a lo mejor que nos ha llegado de las tierras de la policía montada desde que hace casi 15 años caímos de rodillas ante la descomunal Léolo. Tan es así que Jean-Marc Vallee, director responsable de C.R.A.Z.Y. no tiene reparo en admitir que esta película “es mi pequeño Léolo.” Varias analogías entre una y otra cinta le avalan. Construida bajo los parámetros del moribundo género de la crónica familiar, C.R.A.Z.Y. arranca en los despreocupados años 60 para atravesar 30 años en la vida de cinco hermanos muy diferentes. El eje de la historia es Zachary, el cuarto de los hermanos. La mirada de este adolescente confundido, ambiguo y obsesionado por la aprobación de su huraño padre es el vehículo perfecto para encender la morriña en aquellos que vivieron su infancia en los setenta (esencial resulta la omnipresente banda sonora plagada de temas de Patsy Cline, Pink Floyd, David Bowie o The Rolling Stones). Pero no se vaya a pensar que se trata de una película “de época” o, peor aún, de una cinta gay más, no señor. C.R.A.Z.Y. es una obra absolutamente actual. No sólo porque la historia se expanda hasta nuestros días, sino sobre todo por el estudio que hace de las relaciones familiares, por la manera como los personajes evitan la moralina y evolucionan delante de nuestros ojos, y ante todo por su increíble capacidad para mantener el ritmo y pasar por encima de los aspectos más dramáticos a fuerza de alegría y humor inteligente.
C.R.A.Z.Y.
Dir. Jean-Marc Vallee.
Canadá, 2005
Con Michel Côte, Marc-André Grondin.
Comedia dramática. 1h47.
www.golem.es
Estreno 4 de agosto.

SILENT HILL

2006-07-28T05:51:00.000-07:00

Lograda adaptación del famoso videojuego que no defraudará a sus fans, y que garantiza malos momentos en la butaca... por el miedo claro. Por José González
Mira que son raritos los niños. Y los de las pelis de miedo ya ni te cuento. La cría de Silent Hill tiene una extraña enfermedad que trae de cabeza a su madre. Además, es sonámbula y repite en sueños el nombre de un pueblo maldito. Para colmo, cuando su madre decide llevarla al pueblo en cuestión en busca de respuestas la niña coge y desaparece. Vamos lo que se dice una chica problemática. Con el mítico videojuego de Konami Silent Hill como punto de partida, el director Christophe Gans, autor de la visual El pacto de los lobos, rinde su particular homenaje al cine de terror. La trama, que transcurre en diversas dimensiones unidas por el dolor, hunde sus raíces en las tradiciones del melodrama romántico y se aprovecha de un reparto de calidad inusual en una película de estas características: Radha Mitchell (chica Allen en Melinda y Melinda), Sean Bean (El señor de los anillos) y Laurie Holden (The Majestic) dan vida a una colección de personajes grises y ambiguos que, sostenidos por un complejo guión (Roger Avary, Pulp Fiction), hacen que te mantengas pegado a la butaca. Un consejo, por tu bien, si vas a ver Silent Hill recuérdale a tu chica que se corte las uñas...
SILENT HILL
Dir. Christophe Gans.
Francia, Japón, EEUU, 2006.
Con Radha Mitchell, Sean Bean, Laurie Holden.
Terror. 2h07
www.welcometosilenthill.com
Estreno 28 de julio.

DOMINO

2006-07-21T03:46:00.000-07:00

Fiel a su estilo videoclipero, Tony Scott pone en danza una viva y desquiciada mezcla de biopic y cine de acción con apuntes de crítica social. Por E. Hernández.
Es de esas historias que gustan a los ejecutivos de las grandes empresas y que, por alguna extraña razón, también fascinan a actores y actrices consagrados. Será cuestión de morbo: la cosa va de inadaptada chica pija que, después de educarse en los mejores colegios y de iniciar una carrera como modelo, descubre que lo que le va es ser decididamente mala. Y ningún oficio como el de cazarrecompensas: violencia, emoción, drogas... Y la historia les fascina más aún en cuanto que está basada en la realidad. Domino Harvey, hija de Lawrence Harvey, galán y actor (se le recuerda por El mensajero del miedo) vivió las experiencias sobre las que Tony Scott fabula. Y lo hace como homenaje, ya que trató durante mucho tiempo a la verdadera Domino.
Formalmente, hay pocas diferencias con el resto de obras del más nervioso de los hermanos Scott. La fragmentación, el montaje veloz, la desconfianza en las narraciones claras y limpias son marcas de fábrica del cine contemporáneo y Tony Scott es de los que mejor domina un lenguaje que contribuyó a inventar. Lo que nos ofrece, entre encuadres torcidos, excesiva velocidad por segundo y muchas explosiones, es también una mirada afectuosa sobre los desfavorecidos, sobre esa clase de gente que no puede defenderse de los vaivenes de la vida y que lucha con sus armas, en ocasiones ridículas, en ocasiones heroicas, contra una existencia que no les trata demasiado bien, por los motivos que sea, generalmente políticos.
DOMINO
Dir: Tony Scott.
EEUU- Francia, 2005.
Con Keira Knightley, Mickey Rourke,
Chistopher Walken.
Acción. 2h07.
www.dominomovie.com
Estreno: 21 de julio.

UNA HISTORIA DE BROOKLYN

2006-06-26T08:22:00.000-07:00

La familia según el nuevo cine amricano: padres frikis, hijos desubicados, situaciones de risa gélida. Una cinta de las que se meten bajo la piel. Por E. H.
La búsqueda esquiva del éxito y la ausencia de reconocimiento social amargan cualquier aspecto de su existencia. En el caso de Bernard Berkma, el profesor-escritor al que da vida el poderoso Jeff Daniels hace suya esta descripción. Lo primero que se va al garete es su matrimonio. La descomposición de esa prototípica pareja americana es aquí radiografiada con una mirada desapegada y cínica, en parte como defensa emocional: el director, Noah Baumbach (nacido en Brooklyn en 1969), construye la historia desde su experiencia personal.
La multipremiada Una historia de Brooklyn, vendría a ser, dicen, el nuevo Kramer contra Kramer. Más bien estaríamos ante una renovada Guerra de los Rose (con intelectuales en lugar de millonarios) cuyos daños se cobran en el cuerpo y la mente de los hijos. Es decir, desde una mirada en apariencia exterior y siempre impotente ante unos personajes adultos que son zarandeados por su biología o su psicología hasta extremos risibles.
Estamos ciertamente frentea un producto raro en el panorama del cine hollywodense de verano. Una cinta breve que basa su inesperado éxito en una crítica explícita a los egos desmedidos. Los motivos para la diversión, que son muchos y muy efectivos, provienen fundamentalmente del ridículo ajeno; nos proporcionan una más bien sonrisa gélida.
UNA HISTORIA DE BROOKLYN
(The Squid and the Whale)
Estados Unidos, 2005.
Dir. Noah Baumbach.
Con Jeff Daniels, Laura Linney
Comedia dramática. 1h28.
squidandthewhalemovie.com
Estreno: 23 de junio.

HACIA EL SUR

2006-06-12T04:12:00.000-07:00

Una de las películas más originales y provocadoras de la temporada. Jóvenes mancebos haitianos convertidos en juguetes del “turismo del amor”.
Dos mujeres maduras comparten amante joven. Esta premisa bien podría ser el punto de partida de una película francesa del montón, sino fuera porque la idea cayo en manos de Lauren Cantet. Un director que con sólo dos películas (Recursos humanos y El empleo del tiempo) dejó bien claro que lo suyo no es recrearse en los devaneos sexuales de sus compatriotas, sino profundizar en las relaciones entre lo íntimo y lo social. Para empezar, Cantet se aleja de Francia y ubica la historia en su lugar y época originales. Basada en los relatos de Dany Laferrière, Hacia el sur se desarrolla en el Haití de principios de los años ochenta. Un país que vive bajo la bota del dictador Baby Doc y que, a pesar de todo, se mantiene como destino turístico de primera categoría. Hasta ahí llegan dos otoñales mujeres americanas para hacer lo que simple y llanamente se conoce como turismo sexual. Pero a diferencia de los miles de varones europeos que cada verano viajan a Tailandia para practicar la misma actividad, la mujeres de Cantet no se conforman con el sexo, y además de placer querrán cariño y ternura, aunque eso sí, manteniendo la mirada del turista encerrado en su resort de lujo negando una realidad demasiado molesta para mirarla de frente. Como ya lo hiciera Michel Houellebecq, Cantet realiza con sensibilidad y mano segura una autopsia de la pobreza social de unos y la penuria sexual de otros, mientras observa lo que puede ocurrir cuando ambos mundos se encuentran.
HACIA EL SUR
(Vers Le Sud)
Dir. Laurent Cantet.
Francia-Canadá, 2005
Con Charlotte Rampling, Karen Young, Ménothy César
Drama. 1h47.
www.golem.es/haciaelsur
Estreno 9 de Junio.

TIEMPO DE VALIENTES

2006-05-26T01:22:00.000-07:00

Gozosa y refrescante comedia argentina a la vieja usanza, con el psicoanálisis como protagonista de un argumento propio de una buddy movie. Por Pablo G. Herreros
Cine argentino y psicoanálisis. ¿Dónde hemos oído esa asociación de ideas antes? Vamos, como si habláramos de toros o paella al referirnos al cine español: vivan los tópicos. Por suerte, en Tiempo de valientes no van por ahí los tiros, y la terapia psicológica es una mera excusa para enfrascarse en una comedia ágil y desenfadada con toques de buddy movie en que se juntan dos personajes a los que unen pocas cosas pero que la acción y los hechos acaban convirtiendo en inseparables e imprescindibles el uno del otro. Esto si que nos suena un poco más, ¿no? Un psicoanalista se ve obligado a atender el caso de un inspector federal al que su mujer le pone los cuernos. A partir de aquí fluye la complicidad necesaria como para que paciente y médico se vean juntos y revueltos investigando un caso importante de espionaje y corrupción que desembocará en acción a todo riesgo. La nueva película del creador de la serie Lo simuladores, pues, no pretende nada más que hacernos pasar un rato agradable. Y vaya si lo consigue. El ritmo frenético, algunos gags de antología y, sobre todo, la presencia de Diego Peretti hacen de Tiempo de Valientes un entretenimiento con mayúsculas.
TIEMPO DE VALIENTES
Dir. Damián Szifron.
Argentina, 2005.
Con Diego Peretti y Luis Luque.
Comedia de acción. 1h52.
Estreno el 26 de mayo.

FACTOTUM

2006-05-26T01:01:00.000-07:00

Matt Dillon se juega el pellejo y saca adelante una de las mejores adaptaciones que se hayan rodado de los relatos de Charles Bukowski.
Mentira. Aunque a veces lo parezca, Bukowski no está pasado de moda. Hoy, lo mismo que en los 70, la vieja fantasía del éxito continúa siendo una treta con la que el sistema nos da cuerda como a juguetes, además de un pretexto para que un montón de espabilados se forren vendiendo libros de autoayuda. Esta nueva adaptación de la obra del más maldito de los escritores alcohólicos sirve para recordarnos lo que en el fondo todos sabemos: el éxito es un hijo de puta arisco y prácticamente inaccesible para el 99% de la cristiandad.
Factotum no decepciona. Basada en la novela del mismo título y en extractos de obras como El capitán salió a comer y los marineros tomaron el barco y Lo más importante es saber atravesar el fuego, Factotum aguanta perfectamente la comparación con otras cintas basadas en textos del Santo Padre de todos los perdedores. Más aún, contra todos los temores que asaltan durante los primeros minutos de la película, esta adaptación a cargo del noruego Bent Hamer termina dando más lustre y esplendor a la figura del escritor alcohólico que, por ejemplo, El borracho (1987), protagonizada por Mickey Rourke. Factotum es en primer lugar un recorrido entre amargo y divertido por el submundo laboral americano: el protagonista es incapaz de permanecer más de dos jornadas en una fábrica de pepinillos o en un almacén de distribución de piezas de bicicletas, y en segundo lugar, hace algunos apuntes novedosos en torno a la personalidad de Bukowski. Factotum desmonta, entre otros, el mito del escritor sucio. A más de uno le sorprenderá ver cómo el Chinaski no sólo lleva las camisas limpias y planchadas, sino que también es capaz de hacer la colada. Sin embargo, el mérito mayor de Dillon y el director Hamer está en otra parte. Está en la manera en que han conseguido captar, en esta película pequeña y sin pretensiones, la particular y redentora ironía con la que Bukowski supo poner sobre el tapete muchas de las verdades que intentamos evitar a toda costa para poder sobrevivir en este mundo.
FACTOTUM
Noruega-Estados Unidos, 2005.
Comedia negra.
Dir. Bent Hamer.
Con Matt Dillon, Lili Taylor,
Marisa Tomei. 1h34.
Estreno: 19 de mayo.

BURT MUNRO

2006-05-12T07:25:00.000-07:00

Tras clausurar la pasada edición del Festival de Cine de Donostia, llega el esperado biopic del motero neozelandés encarnado por Anthony Hopkins.
Según ciertos críticos americanos, Burt Munro tenía a priori todas las papeletas para ser relegada directamente al videoclub. El motivo era un guión “basado en una historia real” (lo que por estos lares nos suena a culebrón de Antena 3). En concreto, se trataba de la vida del neozelandés Burt Munro, que a sus más de 70 años seguía paseándose por el mundo con su moto Indian, y que en 1967 batió el récord mundial de velocidad en Bonneville Flats (Utah). Una hazaña aún no superada en la actualidad y que el director Roger Donaldson (La prueba) conocía bien por haber acompañado él mismo al auténtico Burt en su último viaje a Bonneville en 1971 y realizado un documental de bajo presupuesto con “el Dios de la velocidad” como protagonista. Tras años dando vueltas a su deseo de realizar una obra de ficción, Donaldson se puso manos a la obra con la complicidad de Anthony Hopkins, el héroe de esta cinta y que sin ambajes ha declarado que su participación en Burt Munro ha sido la mejor experiencia de su vida. Pero la crítica americana se ha equivocado, y vamos a poder ver en pantalla grande una cinta cuyo mayor acierto ha sido no caer en sentimentalismos baratos a pesar de su protagonista sexagenario –todo un
desafío al youth establishment dominante– y de la evidente simpatía que el director siente por su protagonista. Donaldson, además de buen pulso, demuestra habilidad para combinar con audacia humor y sensibilidad sin ñoñerías.
BURT MUNRO:
UN SUEÑO, UNA LEYENDA
Dir. Roger Donaldson.
Nueva Zelanda-Estados Unidos, 2005.
Con Anthony Hopkins, Saginaw Grant.
Biopic. 2h07.
Estreno el 12 de mayo.

TRÁNSITO

2006-05-11T08:19:00.000-07:00

Un provocativo y enrevesado thriller psicológico con el que el director de Monster’s Ball vuelve a caminar por el lado salvaje de la vida.
Después de la onírica, romántica y algo pastelosa Descubriendo nunca jamás, el director alemán afincado en Nueva York Marc Forster recupera el interés por los dramas urbanos de primera fila. A Foster muchos lo conoceréis por su exitosa Monster’s Ball, que además de ser el filme en que Billy Bob Thorton se beneficiaba a lo loco a Halle Berry, en uno de los polvos más calenturientos de la historia reciente del cine, también era una obra notable de personajes cruzados por la casualidad que asumían sus miserias y penas en el marco de una gran ciudad norteamericana. Con Tránsito, Forster recupera ese latido, esa pasión o devoción por el lado salvaje de la vida y vuelve a reunir un reparto de nivel para apuntalar una historia de tristezas y universos personales podridos. En esta película, de todas formas, Forster juega, y mucho, con el subconsciente, con la frontera entre lo que es real, lo que es ficción, lo que es alucinación y lo que es anhelo inconsciente: así es como se encuentra el psicólogo encarnado por Ewan McGregor cuando empieza a escarbar en la vida de Henry (Ryan Gosling), un paciente que le anuncia que en tres días se suicidará. Forster, director con tablas y talento sabe cómo conducir un punto de partida algo confuso y desconcertante hacia terrenos dramáticos rigurosos y con criterio. Tránsito, pues, podría haberse convertido en un horror, en un cruce de referencias sin sentido, pero el buen hacer de su director y el apoyo de un reparto solvente posibilitan el triunfo definitivo de la obra.
TRÁNSITO
Dir. Marc Forster.
Con Ewan McGregor, Naomi Watts, Ryan Gosling, Bob Hoskins.
Drama. 1h39.
Estreno el 12 de mayo.

GALATASARAY-DÉPOR

2006-05-05T10:00:00.000-07:00

En Galatasaray-Dépor se funden cuatro historias, cuatro ciudades y una oleada de robos con el fútbol como telón de fondo.
Con la que está cayendo desde hace meses en Europa, habría que ver esta película por simple espíritu cívico. Vamos, que hay que interesarse por la comunidad. Pero que nadie piense por esto que Galatasaray-Dépor es un panfleto. Hannes Stöhr es un joven director alemán que ya apuntaba las maneras de su particular europeísmo en su potente debut, Berlin is in Germany. Ahora cambia el drama por la comedia y factura una cinta sobre Europa en la que el planteamiento inicial resulta muy familiar: llegas a un sitio, te roban y te ves envuelto en una situación complicada. Entonces te toca hablar, pero no conoces el idioma del país. A partir de ahí, las cosas se vuelven difíciles... o cómicas. La cinta narra cuatro sucesos similares que ocurren el mismo día (la final de la Champions entre el Galatasaray de Estambul y el Deportivo, al mismo tiempo, en cuatro ciudades de Europa).
En concreto, se trata de los respectivos robos que sufren una mujer de negocios en Moscú, un peregrino húngaro en Santiago, un excursionista en Estambul y una pareja francesa en Berlín, y los problemas que ese hecho les causa. El conflicto se genera especialmente con la policía, debido a las diferencias de idioma. Evidentemente el nivel de una u otra historia no es uniforme (el episodio español es de lo mejor de la película), pero aún así, cada segmento tiene interés propio, básicamente por la manera en que el mismo hecho puede tener un desenlace diferente en cada el país.
GALATASARAY-DÉPOR.
Alemania-España, 2005.
Comedia-coral.
Dir. Hannes Stöhr.
Con Megan Gay, Boris Arquier,
Mónica García. 1h35.
MIRA EL TRAILER

MISIÓN IMPOSIBLE III

2006-05-04T10:38:00.000-07:00

Tom Cruise ficha al productor de Alias y Perdidos para dirigir la tercera y más blandengue aventura del agente Ethan Hunt. Por Silvia Sobrini
“Ella confía en mí. Me conoce. Me ama”. Ninguna de estas afirmaciones figura en el guión firmado por Alex Kurtzman, Roberto Orci y J.J. Abrams, responsables de los diálogos y la acción de la última entrega de Misión Imposible, sino a la últimamente más que desbocada efusividad de su protagonista, Tom Cruise, en declaraciones reales sobre su joven esposa Katie Holmes. El tema viene al caso porque el romanticismo subido del actor más poderoso e influyente de Hollywood ha impregnado las peripecias de su personaje más popular, el agente secreto Ethan Hunt, que al comienzo de esta tercera parte deja el servicio activo por el entrenamiento de nuevos agentes del IMF con el propósito de volcarse en el matrimonio que forma con su gran amor, Julia (Michelle Monaghan). Misión Imposible III combina así la acción trepidante con una historia íntima amenazada constantemente por los sobresaltos que el malo malísimo de la película, encarnado por el bueno buenísimo Philiph Seymour Hoffman, galardonado con un Oscar por su interpretación de Truman Capote, procura a su protagonista, asistido de cerca por –entre otros– el experto en transportes (en sentido real y figurado) Jonathan Rhys Meyers. La gran baza de la película la juega en todo caso su director, J.J. Abrams, responsable de la serie de televisión Perdidos. Una batuta de lujo perfecta para guiar con acierto uno de los tripis de acción más rentables de la gran pantalla.

MISIÓN IMPOSIBLE III
Dir. J.J. Abrams.
Estados Unidos, 2005.
Con Tom Cruise, Philip Seymour Hoffman,
Laurence Fishburne.
Thriller de aventuras.
Estreno: 5 de mayo.
MIRA EL TRAILER

ZONA LIBRE

2006-04-27T08:12:00.000-07:00

Natalie Portman vuelve a Israel para dar lustre y posibilidades comerciales a la nueva y más accesible cinta de Amos Gitai.
A mí también me gusta Natalie Portman. Y mucho. Zona Libre arranca con un primer plano de Natalie llorando. El plano dura casi cinco minutos. Y a mí, que soy un hombre sensible (y fan de Natalie Portman, no se olvide), esto ya me vale para calificar la película de indispensable. Pero Zona Libre es un pelín más que eso. Su director, el israelí Amos Gitai, quien tiene en su haber más de 40 películas entre ficción y documentales, ha conseguido reconocimiento por su estilo sólido y el compromiso de muchos de sus trabajos con el conflicto árabe-israelí. Gitai plantea Zona Libre como una parábola sobre el conflicto en Oriente Medio. Una sencilla, conmovedora y actual road movie, mucho más accesible que el resto de su obra, que narra el viaje en taxi de dos mujeres desde el Muro de las Lamentaciones hasta la llamada Free Zone, una zona franca sin aduana ni impuestos al este de Jordania. El periplo sirve a Gitai para desplegar su natural audacia y superponer varios estratos de imágenes que explican la complejidad de la vida de estas mujeres, mientras que la llamada Zona Libre se convierte en ejemplo de la posible y necesaria convivencia en Oriente Medio.
ZONA LIBRE
Dir. Amos Gitai.
Israel, 2005.
Con Natalie Portman, Hana Laszlo,
Hiam Abbass,
Estreno: 28 de abril.
MIRA EL TRAILER

LA HUELLA DEL SILENCIO

2006-04-27T08:06:00.000-07:00

Richard Gere y Juliette Binoche demuestran su habilidad para sufrir y mantienen a flote este estilizado drama sobre el infierno familiar. Por M. Martínez
Estados Unidos intenta comprender qué le pasa casi desde su fundación. Nos importa, un montón, porque ellos, y lo que les pasa, condiciona nuestra respiración y pulso cardiaco. Permanezcamos entonces, atentos a esta película: la cosa va en serio y la peli va muy lenta, quizá para avisarnos de su tono grave. Tenemos, pues, una familia desestructurada que avanza hacia la inopia afectiva sin rumbo fijo y aparentando ser sueca de nacimiento. El leit motiv es la milagrosa capacidad de Eliza, la hija del aburrido matrimonio, para deletrear palabras. Su padre, Richard Gere, haciendo todo lo que puede para tomarse en serio la cábala, se vuelca en el peculiar don de su retoño para obtener, se supone, lo que no recibe en ninguna otra parte. Un hermano envidiosillo y una madre en estado terminal complementan el panorama casi tópico que bucea en la superficie de la familia, institución apuntalada por el concepto liberal de individuo y que hace recaer sobre una niña la responsabilidad de su recuperación. Una visión de adultos para adultos. Los niños quedan fuera confirmando su condición crónica de víctimas.

Dir. Scott McGehee y David Siegel.
Estados Unidos, 2005.
Con Richard Gere, Juliette Binoche,
Drama. 2h44.
Estreno: 28 de abril.
MIRA EL TRAILER

REMAKE

2006-04-21T05:34:00.000-07:00

Divertida, ligera, cruel y finalmente devastadora. La segunda película del director de Smoking Room es una de las más importantes del año.

Pregunta: ¿quiénes son mejores individuos? ¿Aquellos que vivieron sus años salvajes a principios de los 70 en medio de una revolución sexual y experimentaron la vida en comunas, pero se echaron atrás justo cuando estaban a punto de conseguir un cambio social? ¿O quienes hoy rondan los treinta, prefieren jugar a la consola antes que follar y organizan botellones de protesta porque los bares no abren hasta la madrugada?
Entre las varias capas que dan forma a Remake se insinúa cierta respuesta a esta pregunta mientras se dramatiza con un tema tan universal y manido como el de la recriminación generacional. La segunda película del director de Smoking Room cuenta el regreso de dos parejas ahora divorciadas a la masía de la montaña donde vivieron en comuna hace más de 30 años. También acuden los tres hijos de las parejas. Pero el plan de empapuzamiento de nostalgia se viene abajo. Asistidos por sendas dosis de rencor, los retoños aprovechan la ocasión para restregar a sus enrollados progenitores su fracaso como padres y sacar a la luz las miserias y contradicciones de aquella generación de hipies ibéricos. Roger Gual ha construido una película de diálogos y actores. Una historia que desborda sinceridad y que se inflama, explota y emociona entre frases que son como tostadas untadas de caviar, y que funcionan gracias a un grupo de actores guiados por un director que desde ya puede considerarse como el niño prodigio del cine catalán.
REMAKE
Dir. Roger Gual.
España, 2006.
Con Juan Diego, Silvia Munt,
Alex Brendemühl, Marta Etura.
Comedia dramática. 1h50.
Estreno: 21 de abril.

CAMINO A GUANTÁNAMO

2006-04-19T13:58:00.000-07:00

Espeluznante y veraz testimonio del calvario de tres jóvenes musulmanes
británicos en el moderno campo de concentración americano en Cuba. Por M. M.
Se podrá decir que es una película-documental-testimonio pensada para tranquilizar a los ya críticos con la política estadounidense, todos ellos convencidos de la vergüenza que significa la cárcel-escaparate de Guantánamo. Nuestra conciencia puede decir eso y más, reflejo de la incomodidad que genera vivir en países cómplices o cobardes espectadores de la ignominiosa intervención en Afganistán, teñida de lenguaje humanitario que es el ropaje con que el postmodernismo actual ha vestido las tradicionales y mortíferas bombas de siempre. El ecléctico Michael Winterbottom utiliza amplios recursos documentales y de ficción para poner al descubierto dónde acaban las veleidades democráticas de los campeones de la ecuanimidad: en el basurero jurídico y humanitario de Guantánamo, una cárcel donde los reos sin juicio y causa son expuestos para que aprendamos, todos, la lección del más fuerte, de quién tiene la sartén por el mango. Una boda en Pakistán, a la que pretenden asistir un grupo de amigos, acaba en el país en guerra, donde la sanguinaria Alianza Norte, esta vez apoyada y financiada por Occidente, lucha contra el gobierno talibán, mal coyuntural, esperpéntico, a la medida del mamporrero. La sinrazón la recoge con maestría el director, sumergiéndonos en un baile de mentiras sin justificación, cuyo hilo conductor no debemos olvidar jamás mientras miramos la cara catódica de los dirigentes que las propiciaron.
CAMINO A GUANTÁNAMO
Dir. Michael Winterbottom
y Mat Whitecross.
Inglaterra, 2005.
Con Riz Ahmed, Ewan Bailey.
Documental. 1h35.
Estreno: 21 de abril.

THE MATADOR

2006-04-12T10:11:00.002-07:00

Pierce Brosnan entretiene pero no convence en esta comedia seminegra y de factura independiente con la que inicia su etapa post-007. Por Manel Martínez
Existe una ley no escrita en las trastiendas de Hollywood. Dice algo así: “El actor exitoso, quemado por ese éxito, adinerado y forjado en el cansino cine de consumo, podrá redimirse efectiva y elegantemente si canaliza su esfuerzo actoral hacia una producción de corte independiente o, por lo menos, que lo parezca, donde los mismos tics que le dieron fama serán invertidos para conseguir el mismo efecto o, en su defecto, una aclamación de la crítica”. Si a otros les dió resultado, ¿por qué no iba a ocurrirle igual a Pierce Brosnan? En The Matador, Brosnan es un asesino a sueldo con conflictos existenciales que cambia el glamour de los ceros y el siete por dosis enormes de verborrea con vocación psicológica, cutrerío, caradura y momentos también divertidos. A ver si nos enteramos: los killers de profesión no alcanzan un equilibrio personal sólo con dinero, sexo, drogas, físico cincuentón, pero muy bien llevao, y coches sobrecilindrados. ¡Parece mentira, pero es así! La insatisfacción permanente, podríamos llamarlo. En fin, se hace muy amigo de un tipo algo más convencional y juntos pretenden enredarnos en un lío algo tramposo y con trucos independientes, que realzan la esclavitud y dependencia que esta comedia negra tiene también del braguetazo cinematográfico. Nada que objetar, por supuesto, ya que esto es lo que hay. A destacar el paseo en calzoncillos de Brosnan recorriendo unos treinta metros de hotel con final etílico en piscina. Lo mejor.
THE MATADOR
Dir. Richard Shepard.
Estados Unidos, 2005.
Con Pierce Brosnan, Greg Kinnear,
Hope Davis, Philip Baker Hall.
Thriller. 1h37.
Estreno: 12 de abril.

EL POZO

2006-04-12T10:01:00.000-07:00

La factoría nipona de cine de género ha reducido su producción pero continúa dinámica. La prueba, esta secuela de Llamada perdida.
¿Asusta? Sí, y mucho. Pero hay que cumplir dos requisitos. El primero es no perder de vista que se trata de una película made in Japan, y que los intereses del público, realizadores y productores de cine japonés se centran en buena medida en el reciclaje y revisión de fórmulas dramáticas y anecdóticas. Vamos, que el talento y peculiaridad en esta industria reside en su capacidad para revestir y reinventar los datos conocidos. En otras palabras: la originalidad no es el punto fuerte de El pozo. Pero, admitámoslo, esto no tiene por qué ser un inconveniente cuando el 99% de cine de terror se basa en la repetición de fórmulas conocidas.
La segunda condición puede ser un poco más difícil de aceptar. También tiene que ver con su origen japonés. Y es que, para realmente entretener, el terror nipón exige al espectador entrar en su juego y aceptar sus propuestas fantásticas. Cosa a la que muchos no siempre están dispuestos. Pero ellos se lo pierden. Porque a cambio, películas como El pozo consiguen hacer que el espectador las pase
realmente canutas en medio de una atmósfera general auténticamente opresiva y angustiante, a la que se suma un manejo del suspense al más puro estilo Hitchcock y que arranca cuando la víctima recibe una inquietante llamada en sus móvil; aparentemente realizada por él mismo unos días después, indicándole el momento y la forma exactos en que va morir. Y vamos, se muere, y también algunos de sus amigos hasta que...
EL POZO
(ONE MISSED CALL II)
Dir. Renpei Tsukamoto.
Con Mimula, Yu Yoshizawa
y Asaka Seto.
Terror. 1h38.
Estreno: 7 de abril.

V DE VENDETTA

2006-04-06T15:01:00.000-07:00

Tras las desastrosas Reloaded y Revolutions los creadores de The Matrix expían culpas con una genial adaptación de un cómic legendario.

La hemos cagado. Me apuesto cualquier cosa a que esto es lo que se dijeron los hermanos Wachowski cuando por fin hicieron un visionado continuo de las tres partes de The Matrix. Sí amiguitos. Andy y Larry se dieron cuenta entonces de que tuvieron en sus manos lo que pudo haber sido la mejor obra de ciencia ficción desde Blade Runner y, sin embargo, la convirtieron en un insulsa trilogía de cine de acción para idiotas. Luego de esto, y con la sensación de fracaso pesando en los intestinos como comida indigesta, Andy y Larry optaron por una estrategia de discreción cuyo primer paso consistiría en dirigir su próximo proyecto de tapadillo. Así es. V de Vendetta es con todas la letras una película de los Wachowski Bros. Son ellos quienes han escrito el guión, un trabajo que ya venían realizando antes aún de Matrix, además de fungir nada más y nada menos que como productores de la cinta. Vaya, que aunque la dirección la firme uno de sus ayudantes de la época Matrix, nadie en su sano juicio pondría en duda la autoría de los hermanos en esta adaptación del mítico cómic de Alan Moore.
Pues bien, todo indica que podemos devolver a Andy y Larry nuestra promesa de adorarlos. V de Vendetta es un peliculón. Sean cuales sean lo errores cometidos en The Matrix los Wachowski han elaborado un mapa de los mismos y se han cuidado mucho de volver a cometerlos.
Para empezar, en V de Vendetta no hay concesiones a la galería. Salvo la desaparición o fundido de algunos personajes y el desplazamiento de la línea temporal a un cercano año 2020, el espíritu y la historia de este puntal del cómic permanecen intactos. El estado totalitario que aquí se recrea recuerda inevitablemente el estilo de 1984, Farenheit 451 o La naranja mecánica, pero la diferencia abismal la pone aquí el personaje de V. Un oscuro y exquisito anti-Mesías terrorista que no pontifica sino que actúa. Oculto tras un disfraz de Guy Fawkes (legendario héroe de la Inglaterra subversiva del siglo XVII), V pone en marcha, a la brava, una revolución de grueso calibre que no escatima en maldad, rencor ni sangre.
El claustrofóbico y tenebroso diseño de producción ideado por los Wachowski se corresponde fielmente con la fuerza de los dibujos originales y espesa aún más la indefensión y el desamparo de todos los personajes. Imposible no evocar a Hannibal Lecter y a Clarice Starling ante la relación entre el sonriente y frío V y la cariacontecida y sometida Evey (formidable Natalie Portman). Más aún, quién puede evitar compartir la visión de la libertad y de la anarquía que V enseña a su pupila.
Y va a ser que sí. Que aquellos que esperen una cinta hiperdinámica y exultante de persecuciones y mamporros, una película que les haga dejar el cine colocadísimos de acción, van a terminar muy decepcionados. Si bien en V hay suficientes, intensas y más que correctas dosis de acción, los tiros, nunca mejor dicho, van por otro lado. V de Vendetta es una provocadora película de ideas, a la altura del cómic original y, por fortuna, libre de la hueca pomposidad que estropeó el trabajo anterior de los hermanos Wachowski.

EL INTERROGATORIO

2006-04-06T15:00:00.000-07:00

EL ARCO

2006-03-29T07:01:00.000-08:00

Tras el tropiezo de su anterior trabajo, el director coreano Kim Ki-Duk regresa con una historia minimalista, íntima y de impresionante fuerza visual

Aquello de que los directores pueden ser a las películas lo que los poetas a los poemas es una bonita idea inventada por los franceses que hoy por hoy se cumple más bien poco. Sin embargo, si en el cine contemporáneo existe un cineasta que supera todos los controles de calidad necesarios para ser considerado Poeta con todas la letras, ése es el coreano Kim Ki-Duk.
Como en Hierro 3 o La isla, en El arco volvemos a encontrar a unos personajes de esos que no pronuncian palabra alguna. Lo mismo que en sus primeras obras, Kim Ki-Duk lleva la historia a un entorno natural alejado de los ambientes urbanos y de la gente. Esta vez se trata de un viejo barco en altamar. En la nave viven un anciano y una versión oriental de Lolita. De vez en cuando algunos hombres acuden al barco para pescar. Si alguno de ellos se propasa con la joven, el viejo hace uso del arco para protegerla. Dentro de unos meses se casará con ella y pasa los días disponiéndolo todo y marcando el calendario.
Pero el auténtico virtuosismo de Kim Ki-duk va más allá de la historia que cuenta, al fin y al cabo bastante sencilla. El arco es en realidad un poema visual. Aunque en ninguna de sus cintas se pierde la unidad de historia e imágenes, nunca como en El arco el director había conseguido un juego tan depurado con los contrastes entre las texturas y los colores gastados del barco y el cuerpo virginal de la joven. El uso del color es impecable y asombra el empleo de los tonos vividos (el vestido rojo de la chica, la ropa de boda, la sangre) sin que nunca parezca saturado. Un conjunto armonioso y espectacular que de vez en cuando se ve roto por el hecho insólito de ver a un viejo haciendo música auténtica con un arco. Un objeto en teoría mudo, pero que aquí se convierte en alegoría de muchas de nuestras esperanzas y deseos. Kim Ki-Duk muestra hasta qué punto pueden llegar a ser bajos, nobles, maravillosos, tristes y alegres y cómo nos tensan como la cuerda de un arco.
EL ARCO
Dir. Kim Ki-Duk.
Corea, 2005.
Con Jeon Sung-Hwan, Han
Yeo-Reum, Seo Ji-Seok.
Drama. 1h30.
Estreno: 31 de marzo.

LOS PRODUCTORES

2006-03-23T07:26:00.000-08:00

La planta de reciclaje entrega una nueva versión del musical de Mel Brooks. Sabor demodé, gags a espuertas y Uma Thurman en dosis pequeñas. Por M. Martínez
Los caminos del señor son inescrutables, y los de algunas películas parecen casi autopistas divinas. Quién le iba a decir a Mel Brooks que más de treinta años después del estreno de The Producers, su primer trabajo no televisivo, Hollywood destinaría 45 millones de dólares para rodarla de nuevo, esta vez en versión musical. El fenómeno se entiende si recordamos que The Producers se alzó en su momento con el Oscar al mejor guión. Y que el mismo Brooks adaptó al teatro musical esta historia obteniendo un enorme éxito en Broadway. Partimos pues de una adaptación de la adaptación.
La historia, en principio, el bien más preciado de esta producción, es bien sencilla: productor arruinado, contable que le proporciona la idea del millón, recogen dinero de inversionistas abnegadas (señoras adineradas sedientas de emociones fuertes) para poner en marcha una producción que fracase estrepitosamente y, después, salir por patas con el dinero a reflexionar sobre si playa o montaña.
La dirección de esta producción corre a cargo de Susan Stroman, quien también había resuelto la versión teatral. No podemos decir nada apreciable de su trabajo, bastante anodino y rutinario. El peso de la película recae en los gags que siguen una lógica determinista: a mayor risa, menor peso cobra la trama, que transita parapetada por la explotación paródica de personajes y situaciones. Diremos que las canciones son dignas y correctas, y que se encuentran ancladas en los musicales de los años cincuenta en su versión más rutinaria y artesanal. Quizás el exceso de intencionalidad en recrear los años cincuenta ha impedido dotar al conjunto de la osadía necesaria para convertir a los personajes en algo más que un amasijo de bromas coyunturales. Gags de más y Uma Thurman de menos. ¡Lástima que la actriz intervenga tan poco!
LOS PRODUCTORES
(THE PRODUCERS)
Estados Unidos, 2005
Dir. Susan Stroman.
Con Natan Lane, Matthew Broderick,
Uma Thurman.
Comedia/Musical. 2h14.
Estreno: 24 de marzo.

VOLVER

2006-03-16T04:07:00.000-08:00

Es muy fuerte. Pero es que en cuanto la pantalla funde a negro y comienza la secuencia de créditos uno no puede dejar de preguntarse: ¿Cuánto pagó Penélope Cruz a Almodóvar por este favor?
Sí, ya se sabe que las cosas no suelen funcionar de esta manera. Pero lo que Pedrooooo ha hecho por ella no se lo va a poder pagar en su vida. Gracias a Almodóvar , Penélope Cruz ha conseguido recuperar su nombre completo y desmarcarse de una vez por todas de la alargada sombra del plasta de Tom Cruise. Pero eso es lo de menos. Con Volver, Almodóvar ha concebido una hazaña de marketing de grueso calibre y la ha puesto al servicio de una actriz que no ha conseguido levantar cabeza en Hollywood. Así pues, el título mismo de la película sólo tiene sentido desde este punto de vista. Almodóvar ha reinventado a Penelope Cruz de los pies hasta la cabeza, o hasta las tetas, según se deduce de las imágenes. Ha concebido un personaje de imponente carácter que convierte a la actriz madrileña en una diva mediterránea con todas la letras. Ha convertido a la pequeña Pe en una hembra espectacular . En una auténtica diosa, dueña de una aura sexual todopoderosa que impregna cada plano de la cinta, y que a partir de ahora será objeto de devoción de todo español con sangre en la venas.
Y claro también está la película en sí. El cine de Almodóvar siempre ha funcionado a base de un habilidad para el drama, un mordaz sentido del humor y una mirada privilegiada para lo erótico. Con el lado sexy de la cinta puesto al servicio de y colmado por Penélope Cruz, Volver es una drama cien por cien almodovariano, pero de baja intensidad y de vocación claramente populista. Sin duda recuperará para su causa a aquellos espectadores más identificados con el Almodóvar de Mujeres al borde de un ataque de nervios que con el de Hable con ella o La mala educación.
VOLVER
Dir. Pedro Almodóvar
España, 2006.
Con Penélope Cruz, Carmen Maura,
Blanca Portillo, Marta Dueñas
Comedia negra. 2h10.
Estreno: 17 de marzo.

HARD CANDY

2006-03-16T04:00:00.000-08:00

Dura, cruel y extenuante por momentos. Un intrincado descenso por el lado más perverso de las autopistas de la información.
El pasado Festival de Sitges estuvo marcado por el poder femenino. No es gratuito que el premio a la mejor actriz se haya concedido a Lee Young-Ae, por su retorcida interpretación en Sympathy for Lady Vengeance. Si embargo, el auténtico descubrimiento fue la jovencita Ellen Page. Una adolescente de 14 años seleccionada por el director David Slade en un intenso casting por el que desfilaron más de 300 actrices. La elección no pudo ser más acertada. Pocos habrán visto antes a una Lolita más perfecta, fría, metódica y sádica. Un acierto más valioso si cabe, gracias a una película que va a dar mucho de que hablar. Hard Candy se adentra en el mundo de la pedofilia. El punto de partida de esta intensa y agobiante cinta ganadora del premio a la Mejor Película, es el encuentro, gracias a Internet, de un fotógrafo de moda treintañero y la adolescente en cuestión: un café, un regalo, vayamos a conocer mi estudio, una copa, otra más. Nuestro fotógrafo cae entonces en un sueño profundo y despierta postrado a merced de una jovencita convertida en un ángel vengador que, para satisfacer su ira, no se le ocurre mejor plan que… A partir de aquí Hard Candy se convierte en una experiencia casi física para el espectador. La apuesta por los primeros planos, las vueltas de tuerca y la crudeza de las situaciones hacen que la cinta sea una experiencia angustiante, de esas que provocan escalofríos en las tripas y no se olvidan en mucho tiempo.
HARD CANDY
Dir. David Slade.
Estados Unidos, 2005.
Con Patrick Wilson y Ellen Page.
Thriller psicológico. 1h43.
Estreno: 17 de marzo.

AGUA

2006-03-08T03:43:00.000-08:00

Con fina sensibilidad, Deepa Mehta denuncia cómo el sistema de castas de la India se ceba con la mujer. Un alegato contra el fanatismo religioso. Por Manel Martínez
El turista occidental que viaja a la India suele ser benevolente con la miseria que le rodea, destacando los aspectos culturales y, en el peor de los casos, apelando a una cierta felicidad innata de sus habitantes para afrontar olímpicamente las penurias e injusticias. Esta película de la talentosa directora Deepa Mehta retrata lo peor del hinduismo respecto a la mujer, y demuestra, se mire por donde se mire, lo injusto del sistema de castas. El argumento es duro: una niña de ocho años es casada con un moribundo el mismo día de su muerte. Según la costumbre, la viuda no tiene casi más opción que encerrarse en casa junto a mujeres en su misma situación. La cinta admite después una historia de amor, avivada por la pequeña, entre una de las viudas y un guapo mozo, con el transfondo del río (el agua) y la lucha anticolonial.
Cuando existe una historia que contar y se dispone de la sensibilidad necesaria, es difícil decepcionar. Deepa Mehta no lo hace. La película es convincente aunque recurra a un galán como John Abraham, el tópico representante de la clase superior en la India. Precisamente, el rodaje tuvo que interrumpirse por presiones de sectores fundamentalistas hindúes, y se completó en Sri Lanka. En ese camino se perdió la participación de la actriz y luchadora por los derechos humanos Shabana Azmi, que iba a interpretar a la protagonista. La obra, pese a todo, se hace imprescindible para completar la visión de todo turista occidental.
AGUA (WATER)
Directora: Deepa Mehta.
Con Seema Biswas, Lisa Ray,
Kulbhushan Kharbanda,
John Abraham.
Drama. 1h54.

LA FIESTA DEL CHIVO

2006-03-08T03:33:00.000-08:00

El hasta ahora artesano Luis Llosa consigue su mejor película con una potente adaptación de la novela de su primo Mario Vargas.
Ya pueden decir lo que quieran, pero La fiesta del chivo es de las que siempre caerán de pie. Y es que a ver, si como afirman los que saben de esto, cuanto más logrado sea el retrato del malo, más lograda será la película, entonces ¿qué pasa si tenemos a un malo de 24 quilates, a un auténtico hijo de puta protagonizando la película? ¿Y si a este malo de órdago, adjuntamos un original literario de la factoría de Mario Vargas Llosa y sumamos un equipo técnico y artístico de primera división?
La fiesta del chivo , en efecto, adapta la enorme novela del escritor peruano. La historia da cuenta del entramado político del dictador dominicano Leónidas Trujillo. El tirano que gobernó a sangre y fuego durante 35 años el país caribeño. En la inevitable comparación entre la película y el relato original llama la atención que el propio escritor, por una vez, no maldiga el resultado y admita que la película es fiel a la novela. Podría sospecharse que el comentario pelota se debe a que el director Luis Llosa es pariente del novelista, pero la duda se desvanece si pensamos que al realizador esta condición no le valió ni para obtener una rebaja en coste de los derechos. La verdad es que el director de El especialista ha sabido extraer la esencia del original. Ha renunciado a “decir”, y ha apostado más por “mostrar”. El resultado es una cinta con momentos auténticamente conmovedores, que mantiene todo el aliento de la novela y que, sin duda, hay que anotar en el menú del mes.
LA FIESTA DEL CHIVO
Dir. Luis Llosa.
España-Inglaterra, 2005.
Con Isabella Rossellini,
Juan Diego Botto, Tomas Milian.
Drama. 2h10.
Estreno: 3 de marzo.

RAZZIES 2006 LO PEOR DE LO PEOR ¡Y EL GANADOR ES...!

2006-03-05T07:17:00.000-08:00

Jenny MacArthy, la explaymate y expresentadora de la MTV metida ahora a actriz, arrasó en la 26ª entrega de los Razzies a lo peor del año. Jenny fue la más laureada por producir, protagonizar y escribir la comedia Dirty Love, ganadora en los rubros de peor película, peor actriz y peor guión. ¡Enhorabuena, Jenny!
El galardón al Peor Actor se lo adjudicó Rob Schneider por Deuce Bigalow: European Gigolo. El de Peor Actor de reparto fue para Hayden Christensen por Star Wars III, y el de Peor Actriz de reparto para Paris Hilton por su extraodinaria interpretación en La casa de cera.
El premio a la Peor Pareja en la Pantalla fue para Will Ferrell y Nicole Kidman por Embrujada. La distinción para el Peor Remake o Continuación se lo llevó El hijo de la máscara.

SYRIANA

2006-03-02T03:55:00.000-08:00

Poderosamente actual. Asume riesgos, denuncia tramas internacionales y explica la situación en Oriente Medio, pero entretiene poco.
La idea de Syriana (término que es utilizado por los gabinetes estratégicos de Washington para describir una hipotética reestructuración de Oriente Medio al gusto de los grandes consorcios) le vino al director Stephen Gaghan hace algunos años mientras realizaba la correspondiente investigación de campo para dar forma al guión de Traffic. El discípulo de Steven Soderbergh se dio cuenta entonces de qué hay de yonkis a yonkis y de traficantes a traficantes. Hay individuos adictos al crack y países enteros enganchados al petróleo. Carteles de la droga y carteles del oro negro. Gaghan vio claro que la mayor
adicción de Estados Unidos es al petróleo barato extranjero, con las consecuentes maquinaciones y tramas de corrupción. Después de intensivas indagaciones, Gaghan pergeñó un guión en el que se entretejen varios argumentos independientes para reflejar el funcionamiento interno de la industria del petróleo. Una historia visceral, complicada, pero convincente, a pesar de una soporífera primera hora, que refleja la complejidad y ambigüedad de la situación actual. Un relato por el que circulan casi 70 actores con diálogo, que explora diversos puntos de vista, sin defender ninguna perspectiva como única, sin sermonear a nadie y que Gaghan dirige con un estilo parecido, quizá demasiado, al de Traffic. La explícita conciencia crítica de Syriana levanta una acusación monumental en contra de los intereses de Estados Unidos en Oriente Medio. Una crítica que el marqueting político paralelo a la cinta ha transformdo en una opaca campaña bastante más digerible “para reducir la dependencia de la economía estadounidense del petróleo mundial”. Pero no nos engañemos, es más fácil que el Papa deje de rezar que hacer que Estados Unidosse desenganche del petróleo.
SYRIANA
Dir. Stephen Gaghan
Estados Unidos, 2005.
Con: George Clooney, Matt
Damon y Christopher Plummer.
Thriller político. 2h06.
Estreno: 3 de marzo.

EL CASTILLO AMBULANTE

2006-03-01T04:15:00.000-08:00

La nueva epopeya animada de Hayao Miyazaki lo tiene todo: historia entrañable, personajes sorprendentes, potencia visual... Por Manel Martínez
Que Hayao Miyazaki es ya un clásico elevado a la categoría de mito no es ninguna noticia. Tampoco que el cine de animación japonés ha sabido conjugar la inquietud reflexiva, el sentimentalismo y la aventura, ingredientes universales pero perdidos en muchas ocasiones en el frenesí de la mediocridad comercial, obsesionada por homogeneizar el público en compartimentos estancos (infantil, juvenil, adulto). En su última película, el director de El viaje de Chihiro, narra una historia de crecimiento personal encarnada en la figura de Sophie, niña-mujer arquetipo conductor del devenir humano que habiendo conocido al mago Howl, queda ligada a él con un hechizo y, lógicamente, por un romántico enamoramiento. En un aparente contexto centroeuropeo salpicado de cruces culturales imposibles, inventos anacrónicos y, sobre todo, una terrible guerra, Miyazaki traza un discurso decididamente antibélico, sin recurrir a trucos zafios ni parábolas de apariencia inocente que escondan otras guerras soterradas, muy propias de las factorías norteamericanas de consumo infantil, y da rienda suelta a una imaginación desbordante, sin prisa, dedicado a perfilar con calma el carácter de sus personajes: quizás el mayor elogio que puede merecer un creador de animaciones. La ayuda de su compositor de cámara Joe Hisaishi, en la creación de una atmósfera postromántica, vitalista pero con regusto nostálgico, es efectiva y un acierto indudable para la película.
EL CASTILLO AMBULANTE
Dir. Hayao Miyazaki.
Japón, 2004.
Voces: Chieko Baisho, Takuya Kimura
Animación. 1h59.
Estreno: 3 de marzo.

TRUMAN CAPOTE

2006-02-22T03:35:00.000-08:00

El escritor convertido en vehículo para una hechizante reflexión sobre la
ambición y la soledad. Un biopic destinado a convertirse en clásico.

Salvando las distancias, en algún punto del camino al actor Philip Seymour Hoffman le ocurrió lo mismo que a Santiago Segura. O sea, harto de interpretar secundarios, se dio cuenta de que al menos que él mismo escribiera y dirigiera la película, nadie le iba a dar el protagonista. Hoffman rodó entonces Con amor Lisa. Luego continuó con lo mismo. Su récord como actor de soporte ronda unas 35 películas y nunca, que se sepa, ha puesto el piloto automático. Resumen de Seymour Hoffman: actorazo de casta, de los que llevan lo de la interpretación en la sangre.
Pero este año las cosas van cambiar y, al menos que el premio se declare desierto o algún espabilao soborne a los académicos, Seymour se hará con el Oscar al mejor actor. Los méritos no están en sus 35 papeles secundarios, sino en una sola interpretación, la que hace de Truman Capote. Y es que Philip, con la alquimia que muy pocos actores poseen, no se ha limitado a hacerse pasar por el escritor, lo ha resucitado, directamente. Es su trabajo el que hace funcionar ese halo trágico del personaje. Su interpretación contenida y centrada en lo tácito es la que consigue desvelar la personalidad de un hombre convencido de ser lo mejor desde que se inventó el pan de molde en rebanadas. Hoffman revela a un Truman Capote cuya mente nublada por el deseo irrefrenable de ser reconocido parió ese clásico de la literatura americana llamado A sangre fría.
TRUMAN CAPOTE
Dir. Bennett Miller
Con Philip Seymour Hoffman,
y Catherine Keener.
Biopic. 1h38.

TRANSAMERICA

2006-02-21T06:49:00.000-08:00

Espíritu indie y una actriz fuera de serie en una comedia acerca de un padre (transexual), un hijo adolescente y los lazos familiares.
El hecho es que si te llamas Charlyse Theron o Nicole Kidman, cuando consigues bordar una interpretación como la que Felicity Huffman consigue en Transamerica ingresas 15 millones, te llevas un Oscar a casa y la película invade los multicines de todos los centros comerciales del planeta. En cambio, en una película con un presupuesto de un millón, ¿cuánto habrá facturado la ejecutiva agresiva reconvertida en ama de casa de Mujeres Desesperadas...? En fin, pequeños
desajustes del sistema. El caso es que al director Duncan Tucker, la idea de rodar Transamerica le vino porque “conocí a una mujer encantadora que me dijo, cuando ya llevábamos varios meses de amistad, que era una transexual: se había hecho depilación eléctrica, había tomado hormonas durante años... todo, excepto la operación genital final; hasta que ella me lo dijo, no me imaginé siquiera que no fuera biológicamente una mujer”, explica. Esto último fue decisivo a la hora de elegir al protagonista de Transamerica, continua Tucker: “Mucha gente sugirió que eligiéramos a un actor, pero lo último que queríamos es que Bree pareciera un hombre con ropas de mujer”. Lo demás es historia, y es evidente que para Felicity Huffman la factura no fue una prioridad cuando aceptó dar vida a este transexual que pospone su operación genital cuando descubre que al otro lado del país tiene un hijo adolescente ingresado en prisión por problemas de drogas.
TRANSAMERICA
Dir. Duncan Tucker.
Con Felicity Huffman, Kevin Zegers, Fionnula Flanagan.
Comedia, road movie. 1h43.
Estreno: 24 de febrero.

REEKER

2006-02-18T07:44:00.000-08:00

El desolado panorama del cine de terror se revitaliza con esta sorprendente y entretenida slasher-movie. Dirige un de los últimos discípulos de Roger Corman.

Podemos garantizaros que el desconocido Dave Payne conoce el percal. Su deposito de sabiduría gore tiene combustible de sobra para hacer que en Reeker la sangre y las vísceras se conviertan en diversión con mayúsculas. Desde una actitud sana y necesaria, este joven discípulo del legendario productor Roger Corman, pasa de complacer al público de menos de 13 años (ese mal que está acabando con el cine de género) para cumplir sobradamente su objetivo de aterrorizar y hacer reír con una historia lo bastante gruesa para masticarla, y suficientemente cocinada como para ser digerida sin que nadie se atragante.
Pero el director de Reeker no se salta los semáforos. Su historia respeta las claves del género. Aquí está por supuesto el grupo de estudiantes que no ha de faltar en una cinta de su clase. Una avería en su vehículo les deja tirados de camino a una fiesta, en mitad de una ciudad extrañamente desierta. Mientras esperan conseguir ayuda, el grupo se separa y todos sus integrantes se ven amenazados por una fétida y sanguinaria presencia. Guiados por los sentidos intensificados de un estudiante ciego, tienen que sobrevivir durante la noche y enfrentarse a lo que parece ser un abismo entre los vivos y los muertos. En un inusitado último acto, la historia da un giro sensacional. No enteramos qué diantre es Reeker, mientras Payne demuestra que conoce el terreno que pisa y pulsa al máximo los niveles del gore y suspense.
REEKER
Dir. Dave Payne
Con Devon Gummersall,
Tina Payne, Derek Richardson.
Terror. 1h38.
Estreno: 17 de febrero.

MANDERLAY

2006-02-09T12:53:00.000-08:00

Para la secuela de Dogville, Lars von Trier ficha a una Grace nueva y mejorada, y vuelve a desconectar los cables de la conciencia americana. Por J. Rebollar

Puede que sí. Que durante los primeros minutos de esta secuela de la inmensa Dogville se eche en falta ese delicado poder que sobre nosotros ejerce la perfección de Nicole Kidman. Pero Lars von Trier no llego a ser Lars von Trier por depender de una actriz. El genio extremoso, excéntrico y pedante del inventor del finiquitado movimiento Dogma no iba dejar agriar su nuevo experimento sólo porque la Kidman estuviese comprometida para hacer de payasa en la versión cinematográfica de una vetusta serie de televisión. No señor. von Trier hizo lo que tenía que hacer: descubrir a una nueva actriz.
La nueva Grace se llama Bryce Dallas Howard. Posee el brío que le da tener 13 años menos que la Kidman; chorrea autoridad y sex-appeal, y le toma cinco minutos hacernos olvidar a la ex de Tom Cruise. Aclarado este punto, vayamos a lo que realmente importa.
El argumento de Manderlay se inspira en el prólogo de la frígida novela francesa soft-porno Historia de O. Concretamente en la anécdota que narra cómo durante el año de 1838, en la isla de Barbados, un grupo de negros que acababan de obtener la libertad coaccionan a su antiguo amo para que les acepte de nuevo como esclavos.
Manderlay arranca en el punto final de Dogville. Grace llega con su padre a algún lugar de Alabama. Allí los negros continúan viviendo como esclavos, 70 años después de la abolición del régimen. Grace recurre entonces a los gángsters de su padre para imponer la libertad y la democracia a punta de pistola. En efecto, la metáfora es gruesa y obvia. Lars von Trier no es precisamente un tipo sutil. Pero Manderlay es mucho más que una alegoría del intervencionismo americano.
Como no podía ser de otra manera, Lars von Trier vuelve a dirigir como si el cine lo hubiese inventado él. Algo que, al menos para este caso, es en buena medida cierto. Narrada con la misma estética de Dogville, y superado ya el desconcierto causado por la innovadora propuesta (ese escenario dibujado sobre el suelo), el método funciona a pleno rendimiento y, gracias a un guión más cohesionado y mejor escrito, la propuesta con la que von Trier ha superado el movimiento Dogma hace que el drama resulte más dramático, la violencia sea más violenta y la emoción más emocionante.
MANDERLAY
Director: Lars von Trier.
Dinamarca, 2006.
Con Bryce Dallas Howard, Isaach De Bankolé, Danny Glove.
Drama. 2h19.
Estreno: 10 de febrero.

BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE

2006-02-09T12:05:00.000-08:00

Una radiografía certera y audaz de la América más reaccionaria, o de como George Clooney ha resultado ser mejor director que actor.
Por Manel Martínez

El siglo XX es para los EE.UU. el siglo del anticomunismo y de las invasiones extraterrestres, ahora sustituidas por inquietantes turbantes. La película de Clooney transita por la "otra amenaza" que sufre EE.UU.: la interior, que permite recortar libertades y derechos civiles de un plumazo.
Ambientada en los cincuenta, años duros de la cruzada fascistoide del senador McCarthy, la cinta enfrenta a este pescador de diablos rojos con Edward R. Murrow (David Strathairn), el presentador de un popular programa informativo, que se empeña en aplicar al presidente del Comité de Actividades Antiamericanas su propia medicina: investigar a fondo sus procedimientos inquisitoriales y desenmascarar su mentira. Tenemos así un planteamiento muy americano: los acontecimientos históricos se abren paso a través de un icono-hombre, que se enfrenta a los poderes establecidos para restaurar la auténtica esencia patriótica. Nada que objetar, por supuesto. Desde ese punto de vista la cinta es un acierto indudable y los premios que cosechará (que seguirá cosechando, puesto que ya atesora unos cuantos) darán buena cuenta de ello. Sorprende la habilidad de Clooney en el manejo de las imágenes de archivo. Un recurso por el que es posible ver al propio McCarthy interpretarse a sí mismo y que, además de ser un espectáculo circense impagable, aporta un plus de rigor y verdad. Buenas y convincentes interpretaciones redondean una película valiente y necesaria, que todos debemos ver aunque sea por aquel tópico de "para que la historia no se vuelva a repetir". La paradoja es que no solo se repite sino que se reproduce ante nuestras fosas nasales. Pero eso es otra historia y otra película.
BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE
Estados Unidos, 2005.
Dir: George Clooney.
Con David Strathairn, Robert Downey Jr.
Drama histórico. 1h33.
Estreno: 10 de febrero.

SECRETOS COMPARTIDOS

2006-02-06T12:36:00.000-08:00

De como las diferencias de edad, cultura y religión complican las relaciones de pareja, pero hacen que las comedias sean muy entretenidas. Por Manel Martínez

La ciudad de New York reclama para sí misma tantas dosis de cosmopolitismo como de especificidad. Claro, se supone que una cosa origina la otra y caracteriza unos individuos especiales e interesantísimos. Mucho más que los albaceteños, por ejemplo. En fin, imaginemos una historia de amor con gravísimo problema generacional, incluyamos un joven y simpático judío que se debe a su causa religiosa familiar, una mujer recién divorciada pero en perfectas condiciones de revista, y una psicoterapeuta que casualmente es madre de ese joven hiphopero más blanco que el pan blanco. Agítemos bien fuerte, incluyamos, antes de la cocción final unos cuantos secundarios para despistar y un chorrito de Priorat, que por allí, se cotiza. ¿Qué obtenemos? ¿Un cocido sentimental que ahonde en la condición femenina cual daga certera y enmarcado en una ciudad compleja, paradigma de las contradicciones imperiales?... Pues no, hombre, los milagros no pueden ni deben existir. Respiremos tranquilos, Ben Younger, el director, y sus actores de pequeño (Bryan Greenberg) y gran presupuesto (Uma Thurman y Meryl Streep) no van de profundos. Lo que quieren y consiguen es un refrescante y muy divertido retrato de cierto tipo de relaciones en una comedia a la que vale la pena echar un vistazo sólo por ver como se despliega la vena cómica, que la tiene y grande, de Meryl Streep, una de las actrices que más han llorado en pantalla.
SECRETOS COMPARTIDOS
Dir. Ben Younger
Con Uma Thurman, Meryl Streep, Bryan Greenberg.
Comedia romántica. 1h46.
Estreno: 3 de febrero.

EN LA CUERDA FLOJA

2006-02-03T10:44:00.000-08:00

La vida y amores frustrados del Johnny Cash sostienen un cinta ágil y vital protagonizada por Joaquin Phoenix en un trabajo de Oscar. Por M. Martínez

Puede que dentro de unos años no quedé ni un solo personaje sin su correspondiente "biopic" (precaución, no confundir la palabrita con picnic, éste mucho más jugoso). Trastear en los personajes "icono", ya sea apoyándose en biografías, novelas o en la santa inspiración es ya una costumbre. Que a eso le acabemos denominando género para darle mayor empaque teórico (sí, en el bar también se practica la filosofía) es tan inevitable como impedir a un adolescente el uso del móvil. Y tal como está el patio cinematográfico, eso debe ser observado con cierto terror. Al grano: el último convidado es Johnny Cash, cantante mítico, encarnación del espanto y la locura, de la pasión, la fe, la denuncia política;es decir, del individuo abriéndose paso con su mochila patológica y redimiéndose como millones de hombres han hecho durante miles de años: creando arte para conseguir descanso eterno (con la ayuda también de algunas drogas, que nunca están de más).
El director de la apuesta es James Mangold (Identity, Heavy) que conduce con mano firme y creíble la extraña fusión de Joaquin Phoenix con su personaje. Es indudable que el hombre le puso empeño al tema de la guitarra. Y además su voz no está nada mal. Pero no se trata de imitar ni dar el pego, cosa imposible y ridícula. Y ahí reside el acierto del director y actor: estar más preocupados en trasladar una historia que en exhibir un drama mitificador oportunista.

EN LA CUERDA FLOJA
Dir. James Mangold.
Con Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon, Ginnifer Goodwin.
Biopic. 2h16.
Estreno: 3 de febrero.

LOS YoGa 2006 (LO PEOR DEL AÑO)

2006-02-01T14:50:00.000-08:00

El colectivo Catacric (Catalans Critics), anónimo y mutante, se reunió la noche del 30 de enero, en un lugar más o menos secreto de Barcelona, para otorgar sus 17º Premios YoGa a lo peor de la producción cinematográfica del año 2005.
Esta es la lista, en verdadera primicia, de los agraciados.

CINE ESPAÑOL
Peor Película:
YoGa Chanquete a Camarón de Jaime Chavarri
Peor Director:
YoGa Soñando, Soñando, Acabé Patinando a Juanma Bajo Ulloa por Frágil
Peor Actor:
YoGa El Pen(e)Alti Más Largo del Mundo a Santi Millán por Amor Idiota
Peor Actriz:
YoGa La Cosilla de Adán a Eva Cobo por Pasos

CINE EXTRANJERO
Peor Película:
YoGa China y Zorrilla a El sabor de la sandía de Tsai Ming-Liang
Peor Director:
YoGa Un Poco de Magno Es Mucho a Oliver Stone por Alejandro Magno
Peor Actor:
YoGa Legolas, ¿A Dónde Vas? a Orlando Bloom por El Reino de los Cielos
Peor Actriz:
YoGa Million Boba Baby a Renné Zellweger por Cinderella Man

CRASH

2006-01-29T08:08:00.000-08:00

Intenso, hipnótico y genialmente intrincado retrato sobre el lado más oscuro y vergonzante del american way of life.

Paul Haggis es un hombre ecléctico, que duda cabe. Un director que seguramente no quería pasar a la historia sólo como el creador de la infumable Walker, Texas Ranger ni por el resto de su currículo televisivo, que abarca guiones como Vacaciones en el mar y Leyes de familia. Tal vez por ello abandonó la tele y se sentó a escribir el guión de Million Dollar Baby. Una historia que se negó a dirigir y prefirió ceder a Clint Eastwood. ¿Error? Tal vez. Paul Haggis optó por enfocar sus esfuerzos en la realización de Crash, película también escrita por él. Este proyecto es mucho más personal. Tanto, que incluso le llevó a sufrir un infarto que le alejó dos semanas de la dirección. Haggis ha resuelto brillantemente un rabioso y osado retrato del devaluado american way of life. Un relato que se coloca –por algo más que su estructura– a la altura de obras como Magnolia o 21 gramos. La historia fragmentada de Crash arranca con un accidente de coche y el diálogo de uno de los polis que acude al lugar: “Nos falta sentir el contacto de alguien, así que chocamos contra otros sólo para sentir algo”. A partir de aquí Haggis agita un cóctel de paranoia social y racismo que hace colisionar a policías, inmigrantes, ejecutivos de la tele, amas de casa y delincuentes. Un collage al que podría reprocharse un cierto abuso de las coincidencias y sincronías. Sin embargo, el intenso resultado dramático justifica de largo los pequeños trucos.
CRASH
Dir. Paul Haggis. Estados Unidos- Alemania, 2004.
Con Sandra Bullock, Matt Dillon y Brendan Fraser.
1h53. Estreno: 27 de enero.

EVERYTHING IS ILLUMINATED

2006-01-29T06:30:00.000-08:00

El heroico Frodo pone sus aptitudes al servicio de una pieza de caza mayor: el desternillante y sofisticado debut en la dirección del actor Liev Schreiber

Elijah ‘Frodo’ Wood es un chico listo. Hasta hace poco casi nadie le daba bola, sin embargo, como era de esperarse, la demanda de sus servicios creció considerablemente después de cumplir con creces sus responsabilidades como portador del anillo. Pero el menudo actor, consciente de que no hay razón para agotar el generador en estos momentos, ha sabido elegir con prudencia las historias por las cuales pasear su nuevo estatus de ‘consentido del público’. Así pues, desde su envidiable atalaya ha mirado con calma los atolones y ha elegido con todo el acierto del mundo una historia a su medida. Pero Everything is illuminated (ETI) es mucho más que la película ideal para que Frodo luzca sus galones. Ante todo se trata de una de esas obras raras y originales que desde su aparición anuncian su destino: convertirse en el objeto de culto de unos cuantos. ETI es ante todo la ópera prima del también actor Liev Schreiber (El candidato del miedo), quien basándose en un original de Jonathan Safran firma también el guión: la historia de un joven judío que viaja en automóvil por la moderna Ucrania en busca de la mujer que salvó la vida de su abuelo durante la Segunda Guerra Mundial. Una historia de aspecto preciosista, que arranca como una farsa de humor absurdo a lo Kaurismäki, pero que evoluciona hasta convertirse en una fascinante reflexión sobre la búsqueda de la propia identidad, el choque cultural y el valor de la memoria.

EVERYTHING IS
ILLUMINATED
Estados Unidos, 2005.
Comedia road movie.
Dir. Liev Schreiber.
Con Elijah Wood, Eugene Hutzr.
1h46. Estreno: 13 de enero.

JARHEAD, EL INFIERNO ESPERA

2006-01-29T06:25:00.000-08:00

American Beauty se va a la guerra, o de cómo el campo de batalla es aún más triste, aburrido y frustrante de lo que nos habían contado.

¿Pero qué diantre hace un director talla XXL como Sam Mendes removiendo en el caldo rancio del cine bélico? ¿Acaso el realizador de American Beauty ha sido presa de la empecinada pasión del cine americano por las películas de soldados? Pues bien, en realidad no hay de qué preocuparse. A pesar de lo que a priori pudiera temerse, Sam Mendes no se ha echado a perder y en Jarhead continúa jugando únicamente a su juego. Su redentora e intransferible ironía permanece invulnerable. La bendita capacidad de este hombre para desatascar los conductos de la amargura, la frustración y el aburrimiento del ciudadano gringo de a pie no ha hecho más que trasladarse esta vez a la guerra de Irak. La historia en cuestión se basa en la memorias auténticas de Anthony Swofford. Un pollo de 20 años alistado en los marines que llega al desierto de Arabia Saudí para luchar en la primera guerra del Golfo. Es la guerra vista desde el suelo. Desde la perspectiva de los reclutas cachondos, polvorientos, ordinarios e insatisfechos de sangre que matan el tiempo apostando en combates de escorpiones mientras esperan cartas y revistas porno. Aquellos que esperen una película sobre lo último en el arte de la guerra serán presa del desencanto en menos de 15 minutos. Y es que en Jarhead escasean las explosiones y las batallas. Lo que abunda en esta cinta pausada, y fría por momentos, es la frustración de unos chavales que se alistan para ‘defender a su patria’ sólo para convertirse en herramientas obsoletas en una época donde en las guerras se mata por medios mucho más sofisticados que el viejo cuerpo a cuerpo.
JARHEAD,
EL INFIERNO ESPERA
Director: Sam Mendes.
Con Jake Gyllenhaal, Jamie Foxx.
Estreno: 3 de enero.

CACHÉ (ESCONDIDO)

2006-01-29T05:04:00.000-08:00

Uno de los thillers más condenadamente fríos y perturbadores de los últimos tiempos. Michael Haneke está de vuelta. Prepárate para sufrir.

Duele aceptar el destino manifiesto de una película tan grande como Caché: funcionar como carnaza para el fantasmeo de las hordas de atormentados pedantes asiduos del circuito de arte y ensayo. Es poco más que tirarla al cubo de la basura. Caché es una cinta que realmente merecería otra suerte. ¿Qué ocurriría si los distribuidores apostaran por todo su potencial y la vendieran como un “cegador, angustioso e insondable thriller psicológico”? Que lo es. ¿O bien como “el auténtico cine de terror del siglo XXI”? Que también lo es. Un terror que nada tiene que ver con exorcismos, psicópatas con motosierras y demás sandeces. El lado aterrador de Caché le viene de la belleza helada de su puesta en escena. De la manera como muestra con microscópica precisión cómo la vida cotidiana puede convertirse en un cataclismo. Pero, sobre todo, de la peligrosa pericia de Michael Haneke para meterse en nuestra cabeza y desconectar los cables del sosiego hasta dejarnos estupefactos y estremecidos.
Pero no. Poco se hablará de Caché como una película de miedos. Se ofrecerá como una “inteligente disección del sentimiento de culpa de la clase media francesa”. “Un cuestionamiento de la responsabilidad individual hacia la historia colectiva”. En fin, se venderá como la obra de arte del cine europeo que es. Y después, frente a su fracaso comercial, se entonará la balada del artista desamparado y de la estupidez del gran público.
CACHÉ (ESCONDIDO)
Francia/Austria/Alemania, 2005.
Drama. Dir. Michael Haneke.
Con Juliette Binoche, Daniel Auteiul. 1h57.